《构图的艺术》是一本由[美] 伊恩•罗伯茨著作，上海人民美术出版社出版的平装图书，本书定价：58.00元，页数：142，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《构图的艺术》精选点评：

　　●12.23

　　●一遍远远不够。

　　●有帮助

　　●硬着头皮看完了这些需要琢磨的繁体字，有些观点翻来覆去写的到处可见。其实作者讲的蛮真理的。好些例子不错，可惜人物画太少，多是风景。另，本书后面的内容难道不该前置吗。

　　●这翻译是个几把么

　　●有很多小技巧，忽然知道了为什么自己的画很奇怪。 可是有的分析有点故弄玄虚了吧？画家画画的时候真的这样想吗？ 或许是无意造成的艺术成功，然后你研究出了画一幅好画的构图规律吧……

　　●色彩那部分的，感觉应该讲解一些色彩的冷暖、轻重。

　　●生平第一次读构图相关的书，不得不说，真是太棒了。醍醐灌顶之感。 作图不是瞎涂，需要设计构图，颜色的渐变，边缘的虚实对视觉流向的引导那部分对我最有用。 我以前从未有过视线引导这个概念。以后要好好研究一下。 另。。有的部分也很难读，句子读下来狗屁不通，不知道是翻译的问题还是本来就很艰涩。

　　●这个作者爱好高远构图

　　●非常好的构图书。

　　《构图的艺术》读后感(一)：静物和风景画的构图学

　　构图是画家的几何学，之所以往往被人们所忽略，因为它是抽象的。作者是教师出身，很擅长循循善诱，点燃读者的热情，本书基于传统绘画的示范流程来讲，作者思路清晰，条理分明，提供了不少具有可行性的方案，并且谈到了画家一些细致入微的心理感受。不过，对于其中的一些技法还是比较陌生，这与电绘还是有差异，建议有选择性地吸取。此外，关于一些名作的赏析也还不错，能收获不少启发。遗憾的是，作者是以静物画和风景画的构图来讲解，并没有涉及人物画，喜欢风景绘画的人不容错过。

　　《构图的艺术》读后感(二)：很专业，至少八成以上都是干货。

　　人家外国人就是实在，直接把自己所知道的说出来，而国内许多粗制滥造的教程书籍，根本比不上这本书。

　　好像没什么人气似的，可能因为书名的关系，菜鸟和小白可能不明白构图的重要性，而认为怎么上颜色，怎么画出材质这类才重要。其实，构图是骨架，没有骨架，再怎么上材质都是白搭。

　　可能因为我比较喜欢色块打草图的缘故，这本书也介绍了这类的方法，而且还和构图结合，大爱。。不过，用线稿打草图的人也应该看一看。

　　总之，构图做得越好，画面加分就越明显。

　　值得推荐，干货满满，低调踏实有用，不炒作，难得一见的好书籍。

　　《构图的艺术》读后感(三)：我所理解的

　　一幅好看的画面不是仅仅是直接画出来的，而是被设计出来的。

　　就如同音乐的音律一样，有规律的才叫音乐，无规律的只能是噪音。

　　画面的元素也一样要有规律，通过对齐一些元素来形成虚拟的视觉连线，圆，S线，直线等，

　　还记得以前玩单反相机的时候，特别喜欢拍那种微距虚化的效果，觉得很美。

　　现在想来这大概也就是符合画面美化的效果，让人的注意力只集中在最重要的地方。其他的地方都弱化，模糊处理。

　　当一幅画面缩的变成很小的缩略图的时候，我们只能分辨出几个主要的色块，这些色块，就是我们前期要最要注重的地方。

　　把握好色块的对比、大小、位置，让他们变得更吸引人，这幅画就成功了一大半。

　　如果画实景的时候画面不符合你想要的块面对比。

　　我们就可以刻意的加重某一个部位的颜色，或者虚化某处的边缘，提高或降低某一个部位的饱和度，来达到改变引导线，强调重点的目的，其实画面中的那些树啊，花呀，河呀，山呀，天空呀！它们存在的意义只是为了能提供块面以及颜色，让我们的设计图更好看。

　　如果它们的存在没有让图变得更好看，我们就要删除它或者改变它，通过裁切的方式把一些不需要的场景删除掉。把画面变得更专注。重点更突出。

　　所谓的构图就是设计画面的块面布局，让画面有重点，有对比，有视觉引导线，有韵律感，有虚实，强调你想表现的部分。而三维空间的那些物件，只不过是你加工这幅画的一些基础材料而已。

　　《构图的艺术》读后感(四)：我买错书了

我买错书了。

最近开始学习摄影，从构图开始学起，于是买了这本《构图的艺术》。到货以后，有点尴尬，这是一本介绍绘画构图的书籍。只好安慰自己，艺术嘛，同根同源。。

作为一名彻彻底底的门外汉，逼着自己看完了，就来逼逼几句吧。

书籍一开始介绍了最常见的构图方法：

然后强调绘画不要一开始就纠结在细节的描绘上，要将待完成的绘画抽象成“体块”，体块的放置才是体现构图的关键。一幅图片能在一瞬间吸引一名观众，关键的地方就在于画面上抽象出来的体块，明暗区域的分布。

明暗体块抽象出来以后，接下来要关注的是“色块”，通过色彩对比来强调这些体块。

通过构图，对体块的合理布局来引导关注的视线，避免不合理的视觉干扰，将观众的视线引导在画面内“循环”

第五章主要分析和学习大师们的作品。第六章作者强调的是通过技艺的磨练来形成自己的艺术语言。

以上是一个门外汉对这本书的内容总结。

书里面有些内容让我看的很焦虑。譬如对于视线的引导，一条河，一座桥，一片过度颜色就将观众的视线引导到了某一个区域。可是，我也看了那些图呀，为什么我的视线不是这样被引导的？ 是我的问题吗？ 因为我太不专业呢？看图都是门外汉的看法？

节奏感和韵律感，这些词汇也让我好难理解。 我试过用C4D去临摹一些比较有名，但是技术难度不大的三维作品。对于元素的排练，自己临摹出来的，总是越看越不顺眼，而原作放在那里，似乎那些元素就应该是那样排列的。 我猜这就是所谓的节奏感和韵律感吧。可是单独把这两个词挑出来讲，就让人感觉身上有个地方很痒，但是挠不到。知识或者想法没有落脚点。

对于摄影而言，我也是个门外汉。

想一想，对我想要提升的摄影有什么帮助呢？

绘画，是在一张空白的画布上按照自己的想法去表达。 摄影，是在一个客观存在的区域内，截取一段内容。我猜测，这种理解就像一个流行语“绘画是加法的艺术，摄影是减法的艺术”表述的那样吧。 可是这样理解对于摄影而言又太没趣了。如果真的是减法，那就拿个大光圈的长焦怼着人的眼睛去拍就好了，背景全是虚化，主角也足够明晰，可能就是一个恐惧的眼睛。

明暗体块，这一点让我开始从这个角度来理解一些黑白照片。构图，框架通过最简洁的方式来呈现，直接将肉剥掉，把骨架呈现出来。所以，我想对于我来说，也可以尝试一下这种形式。提高自己对于画面元素的掌控能力。各种元素通过合适的排列，在一个区域内形成有机的互动，建立一种关系或者冲突。

色彩，后面再学吧。