《如何看懂艺术2》是一本由翁昕著作，未读·艺术家·北京联合出版公司出版的平装图书，本书定价：75元，页数：280，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。

　　《如何看懂艺术2》读后感(一)：要鲜活的画作，鲜活的天才，不要呆呆地看

19年读过翁昕老师的《如何看懂艺术1》当时给了我很大的学习了解西方艺术史，进一步懂得欣赏画作提高审美的信心。可以说这本书是我的西方艺术启蒙书。

在这一年多的时间里，我断断续续地随缘读了其他的几本其他关于艺术的普及作品，包括傅雷和蒋勋的《世界美术名作二十讲》《蒋勋谈米开朗琪罗》，也有踩雷的作品《人到美术馆会好看起来》《安慰我的画》。但这些书读完给我的感觉却远没有这本书来得深，其一是因为书籍安排的内容太过零散，或是太单一，让我无法构建起最基础的认识框架。

特别是在提到某件作品的欣赏角度时，又或是涉及到画作背景时，我常常不能完美理解其意因而常常感到挫败。但这一切都在《如何看懂艺术2》中解决了。特别是翻到过去在《世界美术名作二十讲》中留下的波提切利部分的阅读笔记，我不再只专注于傅雷先生华丽的形容，而是能够在两本书之间互相借鉴，补全，让我得到更全面的信息。

虽然在部分细节和译名上和我在网上能查到的有些出入，但瑕不掩瑜，如果你和我一样是个对西方艺术，特别是意大利和文艺复兴时期的艺术感兴趣的话，请先阅读翁昕老师的这两本系列书籍。

相较于第一本，《如何看懂艺术2》同样是以意大利的城市作为主线来介绍，但2增加了篇章内的艺术家的生卒时间，涉及的艺术家更多，时间脉络也更加清晰，包括一种新艺术风格缘起的时代背景和相关人的介绍，篇章直接衔接得非常自然。就文章内容排布来说，读起来比1更加流畅，也更易理解了。（但1中的历史年表也很不错）

开篇就是熟悉得不得了的人名——乔托，这个在1中只是简单带过，在其他书籍里出现过很多次但居然一点都不了解的人居然是中世纪迈出了“一小步”的大师。另外，强烈推荐和陈丹青的《局部》第一季结合观看，虽然两者在内容和逻辑上有很大不同，但这两者之间正好互为补充，不仅的艺术家和画作的介绍，陈丹青在视频里的种种见解能更好的帮助我们更好理解艺术家收获某种赞誉背后的珍贵。

这本书主要介绍的是关于佛罗伦萨和威尼斯两座城市的艺术家，进入15/16世纪，我们对这个时代的了解比古罗马更多，也熟知欧洲在西欧发生或即将要发生的一些标志性事件。这本书难得的将历史、科技和艺术适当地糅杂在一起，就像翁昕老师在前后记里说的那样，尽可能的还原艺术家当时的创作背景、在艺术风格和技法解析之外也向我们展开围绕作品周围一系列众多人物的喜怒哀乐的鲜活的环境，让我们像听故事一样身临其境，更简单地感受作品的内容。

因此我知道了吉贝尔蒂和布鲁内莱斯基的恩恩怨怨，为瓦萨里留下的那句“CERCA TROVA”背后的故事着迷不已，也被丁托列托的热血而感染…那些妙趣横生的奇闻异事，各有性格的艺术家们和他们之间错综复杂的关系无疑为干燥的艺术史吹来了一丝清风，却又不喧宾夺主让阅读体验十分舒适。

我很少会将批评或赞美写得如此“满”，也许这本《如何看懂艺术2》中也有错漏之处，但我仍旧在目前把它列为我的艺术类书籍推荐的TOP1。是它向我展开了一个宏大、壮丽却又极尽精致细腻，鲜活不已的文艺复兴图景，也让我在观看了人生第一次西方的画展之后获得了一点小惊喜（在此略过不提，感兴趣的可以关注我之后翻看我观展的日记）

如果有一天，我能真正到意大利或是其他国家，真正在这些艺术品曾经放置的原址欣赏他们，带着我已经足够丰富的知识积累，感受最直接的艺术家创造力的震撼…又或是发现了一处与此书不符的地方，都不算是白读了这本书。

最后，希望翁昕老师继续这个系列的艺术普及，关于中世纪，关于古希腊和罗马的奇迹和印象派、洛可可甚至是现代艺术的古灵精怪，我都想一一感受。

　　《如何看懂艺术2》读后感(二)：艺术的精髓，博大精深，翁昕教你《如何看懂艺术》

　　艺术精髓，博大精深。

　　要问如何看懂艺术，首先我们得了解艺术是什么？

　　艺术包括：文学艺术、视觉艺术、图文设计、造型艺术，装饰艺术，表演艺术等。

　　它是一种价值体现。

　　那么如何看懂艺术呢？作者翁昕，写了一本艺术入门书籍《如何看懂艺术2》，让人们更加的了解艺术，《如何看懂艺术2》里面的内容通俗易懂，分析了艺术家和艺术作品的故事，阅读起来没有难度，因为艺术源于西方，所以翁昕从艺术源头开始讲起，让人更加了解艺术。

　　一：中世纪艺术史

　　1235年，博纳文图拉.贝林吉耶里发表了一幅作品《圣方济各祭坛画》，他的表情、体态都十分僵硬，方济各像一张不属于画面的图片，身后的两位天使更为“敷衍”，人们认为这幅画画坏了，是一幅不被人欣赏的作品。

　　700年来（14世纪），乔托改变了艺术的技艺，他认为前人的方法太“规矩”，“群众演员”衬托的大致就行，没有点到为止的效果，乔托却要两者兼得，他要让画面想要传达的元素进行取舍，要面面俱到，刻重细节，所以他的作品含金量都特别高，在1967年，成交价已达到14000英镑。

　　中世纪的艺术复杂难懂，含金量高，每一幅画都有要传达的寓意，很多作品都印证着那个时代社会和地位，值得人们深思、考查。

　　说起艺术，人们大多数想起的梵高，达芬奇这样的人物，却还不知道中世纪还有乔托，奇才马萨才，安杰利科修士，菲利波.利皮这样的人士，他们都对艺术做出了巨大的贡献。

　　二:成为艺术家，师徒有门当

　　quot;十年如一日地闷在画室里创作"是艺术家门常有的事，无论现代还是以前，艺术家的成本都非常的高。

　　连拜师，都是一门技术活。在1467年，画家古宗内为了让儿子掌握线性透视这门技术，让儿子拜画家斯夸尔乔内为师，签订合同，并且承认师徒关系，接受情义方面的赠礼。

　　遗憾的是，根据后人们的观察，并没有发现古宗内儿子弗朗切斯科从乔内那里学到正确的透视方法的记载。

　　可见，拜师也是有风险的，拜错了师父不但没有学到东西，还可能做了大量的无用功。

　　更可笑的是，曼特尼亚是乔内长期的学徒，他11岁便拜乔内为师傅，徒期6年，17岁出师之后便与师傅决裂，并毁损乔内什么都不会教，反而自己的作品被师傅盗用去挣钱。

　　后来师徒两人的作品均被传世，曼特尼亚的作画确实比乔内的成熟，无论技法和和特效都比乔内的高等一筹，我们不得不承认，师资的力量给人带来的巨大的影响，难怪人们经常要说，找师傅要找个好的，要找个有门当的，就是这个道理。无论生活多么的艰难，都不要误入子弟的去收人家的钱，要么有技法，要么有能量，必选一个，才能授予与人。

　　三：艺术品，重于价值，参考于内核

　　一件艺术品最有效的是它的价值所在。

　　艺术品是文化的象征，是一个时代的代表着，我们不光要看表面，我们要学习它的内核，参考它的内在价值。

　　一件艺术品摆在你的面前，第一眼看到的是它的形状，它的外表，它雕刻了什么，如果你只看到这些东西，大可不必多说，你除了知道有这样一件物品的存在，其他的一无所知。

　　在旅游行业，现在越来越多的解说员，甚至现在的博物馆，有很多的馆内解说员这一职位，是因为它的价值，有价值等于有收获，人们来到博物馆内，不单单是看一件物品，更多的是想知道创作者的心灵，它想表达了什么，它给人带来什么样的寓意，才是真正想了解的东西。

　　现在很多的文物解说专家越来越受人追捧，例如：马未都，他著有节目，《国宝100》，在过去，人们对文物，对艺术的赏析的非常少，一是因为没有机会，二是看不懂。自从有了马未都的《观复嘟嘟》《国宝100》之后，他对作品的解释，让人们更加了解艺术，更了解文物，更加了解它的内核价值。

　　《如何看懂艺术2》介绍的文物，艺术作品都深深展现在人们面前，我们观看他的作品，观看他的书籍，最主要想观看过去的艺术史，他的作品是怎么创作的，他的艰难之处是什么，它的涵义是什么。通过作者的讲析，看完之后，让我们对艺术又有了更加深层次地了解。

　　《如何看懂艺术2》读后感(三)：可靠的向导，入室的阶梯

　　近年来，艺术普及类读物不可谓不繁多，借着些许阅读经验，大体来讲分为几类。一类是艺术作品介绍寥寥，作者生平点到为止，却大谈自身艺术感受，以至于读者对艺术家和艺术品本身得到的信息甚少，得到作者的间接感受甚多，营养有限；第二类是在艺术作品和艺术家生平上挖掘爆点，一定要语出惊人，一定要抓眼球，艺术搭台，娱乐唱戏，给人增添点艺术趣味和谈资；还有一类是艺术史书的普及版，不带有太多作者的主观创作，按照时间、流派等把是艺术史做个简述，算是艺术知识的浅层普及；另外还有一些靠大量的图片，质量也未必高，选取也未必精，粗略的介绍画作和作者，做点复制粘贴的工作，算艺术普及已经牵强了。读这些书，也长知识，也有趣味，也各有功用。但看的多了，尤其是游历美术馆、博物馆看到的原作多了，再读艺术书籍，要求便不一样了，就要在基本知识的普及之上有更多的养分可吸取了。

一本被书名耽误的书

　　初看到这本书，以为也是一部“好为人师”的书，你不懂，我教你。通常这样的书都擅长把大餐做成快餐，没多讲究，也有很多受众。直到翻开，由序言读到正文，欣然发现，这是一本很严整的艺术书籍。很显然，这本书被它的书名耽误了。直观地说，这本书应该叫《“艺术家”的诞生——文艺复兴，从佛罗伦萨到威尼斯》。

　　这么说是有理由的，如作者在序言中所言，这本书中的艺术家和艺术作品的故事大多发生在佛罗伦萨和威尼斯，而这两座城市也是文艺复兴的发源地和重要阵地。而“艺术家”真正从完成主顾订件的匠人上升到带着自由意志进行主观创作的艺术家，也是从文艺复兴中分化出来，被世人所认知。这场人文主义的伟大运动对后世的巨大影响，恐怕如何夸大都不为过。所以可见，这本书的选题是认真的、严肃的，更是厚重的，是沉甸甸的。

结构完整的文艺复兴艺术长卷

　　这本书读起来既过瘾又充实，精致美味而且有饱腹感，主要源于内容扎实，结构严整。全书读完掩卷复盘，真的像是细细的品味了一幅中国的长卷，不仅是手捻长卷目不暇接，旁边还有讲解员娓娓道来，层层叠叠，洋洋大观。开篇有序曲，结尾有尾声，中间段落层层递进，把发展变化讲得清楚明了，这是时间沿革的横向结构。

　　每个段落中，有艺术家，有艺术作品，有艺术技法，有赞助人关系、师徒关系、艺术与教廷与世俗的关系等等，把艺术家和他所在的社会环境做了切面，帮助读者更容易理解艺术家的创作由来以及他的璀璨成就，这是讲述内容的纵向结构。

　　书中每一章节前面必有引述，在章节之间的连续上有节奏上的停顿，可以很好地帮助读者最快速的对接下来要讲的内容有一个整体定性的认识，再带着这样的认识看细节，自然会有更多的思考和感触。另外，每个引述后面必附有人物生卒年份表，把要讲的艺术家和他同时期相关的人物同时用时间轴画出，清晰明了，免了很多参照其他文献的麻烦。作者这样体贴，想必一定也曾有过同时翻看几本书相互对照理解的过程。这是作为书籍阅读功能中的立体结构。

　　其余如内容阐述的层层递进，美术作品印刷的对照呈现等，都很好的服务于将繁多的信息量有序的穿插起来，让读者对艺术家和艺术作品有更清晰的认识。

可靠的向导，入室的阶梯

　　如作者所言，这本书除了艺术普及之外，还希望它能陪着读着真的走一趟意大利双城之旅，带着这本书真的来到那些伟大的作品面前。读到这里，我真的心生感动。多少次，在美术馆、博物馆中浩如烟海的展品中流连，目光是贪婪的，对着熟悉的艺术家一次次的遇见，但又有多少艺术珍品也许就在旁面因不自知而错过；有多少作品看是看了，但是因可以解读的信息量十分有限，以至相当于视而不见。

　　逛美术馆最大的成本就是当你站在艺术品面前却不知道它是什么而走过的成本。

　　这本书很可爱，因作者的初心，我相信，带着这本书游历佛罗伦萨和威尼斯会有相当的底气。这本书有美术历史的沿革，但不是美术史；有画家的生平掌故，但不是画家传记；有艺术作品的评价，但不是艺术评论。不是艺术大餐，因为艺术大餐在美术馆里，在博物馆里，在教堂里，确切地说，这本书给读者的是会吃艺术大餐的能力，是面对艺术品时不会眼神空洞的预习。

　　可以说，这本书是文艺复兴艺术史可靠的向导，同时也是双城游历的可靠向导；是学习美术史登堂入室的阶梯，同时也是帮助读者走进美术馆的阶梯。

　　另外，这本书的装帧、印刷、排版布局无不用心，诚意可见。

　　很幸运得见此书，更幸运的是，我尽管心向往之，但还未曾踏足意大利，对佛罗伦萨更是因向往而情怯，生怕没有做足功课而空走了一遭。这下可好，文艺复兴之旅终于有了些底气，这本书也一定会装进我的行李箱，来到伟大作品的面前。

　　《如何看懂艺术2》读后感(四)：带一本书去意大利

　　本质上来说，我属于表演型人格，通俗地讲就是个“小嘚瑟”，内心有着强烈的炫耀冲动。但是这些年读了几本书，懂得了炫耀并不体面的道理。这就矛盾了，炫耀和克制变成了一对儿斥力，搞得我抓耳挠腮。

　　我认识的朋友中，不乏文艺青年，其中“小嘚瑟”的比例着实不低，看着他们在朋友圈里炫耀各种艺术、文学、音乐、戏剧、旅行的碎片，我是羡慕嫉妒恨。总想着找机会扳回一城。

　　机会来了。十一的时候，我和爱人得闲去美国玩了一圈，这要不在朋友圈炫耀一番，岂不是锦衣夜行？当然，逼格很重要，那些街拍什么的就不炫耀了，炫一炫各大博物馆还是不错的。

　　走了几家地标式的博物馆，什么大都会啊、MOMA啊、盖蒂中心啊等等，在朋友圈狠狠地发了几轮九宫格。然后我发现一个困境，那就是我的知识储备远远配不上我眼前看到的景色。

　　我们走美术馆的流程一般是这样的，先去导览台，弄一张中文简体地图，再租一部导览机，然后就按图索骥出发。地图上会标出美术馆的镇馆之宝都在什么地方，而我们呢，就跟着地图把镇馆之宝都看一遍，梵高的星夜、莫奈的睡莲、毕加索的妓女、沃霍尔的罐头、草间弥生的波点……然后呢，就没有然后了，合影，走人，这美术馆就算是逛完了。

　　用美食博主洪七公的话说，这就叫牛嚼牡丹。因为你对你所见到的一切没有任何了解，等于是入宝山空手而归。陈丹青说大都会美术馆是他的大学，25年过去了，他仍然没有从那里毕业，而我呢，逛了一天就“退学”了。

　　如果知道这个真相，我那些文青朋友们或许不会羡慕和嫉妒，只有恨。那些他们心心念念，见到了会热泪盈眶的作品，被我这么合个影就给玷污了。说起来这不是炫耀而是愚蠢，这钱算是白花了。

　　每个人都知道，旅行前要做攻略，要让旅游物有所值。但攻略和攻略不一样，它可能是一篇旅游网站上的文章，也可能是一本书，甚至有人会为一次旅行准备一生。

　　英国社会学家厄里写过一本书，叫《游客的凝视》，里面最重要的一个结论是：我们对旅游的期待和体验，不是天然的，而是构建出来的。旅游的整个过程，都是想象大于真实，并且那些值得看的景观，都是围绕这种想象才成为景观的。

　　这本书其实还是想说旅游是消费主义构建出来的一个概念，但我也想这种凝视背后，也有游客们的自我构建。自我构建同样很重要，它决定着旅游的质量。当你身临其境，你希望对景观的认知来自哪里？导游？导览器？还是你自身的知识储备？

　　罗振宇曾经打过一个比方，当我们看到眼前的壮丽景色，是喊一声“靠，真美”还是喊一声“秋水共长天一色”，这绝对是不可相提并论的体验。最好的旅游体验，自然不是去景点拍照打卡，而是像林达夫妇那样，带一本书去巴黎。

　　当然很多时候，我们也可以亡羊补牢。我经常为了储备卖弄的谈资而买书，但往往又束之高阁，没有兴趣去读。比方说翁昕的《如何看懂艺术》。本打算去之前就看这本书，但因为对书中所说一无所知，所以提不起兴致。人不大容易在完全无知的情况下接受新鲜事物，但假如略知一二，就有了兴趣，渴望知道更多。

　　作者翁昕有一个身份叫做艺术经纪人。按照以赛亚·柏林的说法，这是一位狐狸型人才。与之相对应的是刺猬型人才，在艺术领域自然就是那些艺术家了，他们拥有技艺和审美，但却很难做到博古通今。

　　而狐狸型人才，这要求他们触类旁通，因为他们的工作，就是把杰作从浩如烟海的艺术品中筛选出来。要么，去历史中寻找那些沧海遗珠，要么在当代艺术家群体里去寻找那些未来潮流的引领者。而这都需要他们对整个艺术史了如指掌。

　　而作为一个艺术经纪人，他的另一大能力就是怎样讲好关于一幅画的故事。你要把这幅画推销出去，如何鉴赏它，它又有怎样的背景，又有什么动人的传说，这都需要向客户娓娓道来。说白了，一位艺术经纪人，需要有能力帮客户认识作品的价值。

　　所以当我们想要了解艺术品和艺术史，构建游客的凝视，谁会成为更好的领路人呢？艺术家本人？艺术家常有而陈丹青不常有。艺术史家？那或许太枯燥了。对入门读者来说，艺术经纪人是最好的选择。这让我想到一个奇怪的类比，真正能够识别特异功能骗术的，不是科学家，而是魔术师。

　　如今，翁昕又出版了这本书的续集《如何看懂艺术2》，同样的有趣、耐读。翁昕甚至为我们提供了游历意大利的经典旅程：从英国出发，经过法国、瑞士到达意大利，先在都灵待上一阵子，然后花大把的时间停留在佛罗伦萨……之后，从佛罗伦萨前往帕多瓦、博洛尼亚和威尼斯，再抵达罗马，最后从那不勒斯离开。

　　这样的旅途，想想就让人激动。所以说，如果你打算带一本书去意大利，那么这一本是不错的选择。

　　《如何看懂艺术2》读后感(五)：望梅止渴的意大利艺术之旅

这本书是《如何看懂艺术》的续集和升级，也是意料之外的惊喜售后。首先增加了副标题：回到艺术诞生地看艺术，算是对有些大而不当的主标题的补充。而且作者自序中提出本书的旅行指南属性，和实际内容更加匹配，看来作者在第一本的成功之后有了更大的自主权。

这次的地点从罗马和米兰变成了佛罗伦萨和威尼斯，时代从以文艺复兴三杰为代表的文艺复兴全盛期，向前推至文艺复兴发端的早期和进入全盛期的转折。上一本偏重审美，关注作品鉴赏本身，这本更加侧重技术的发展（透视法）和历史的传承（文艺复兴的思想根源）。

因此除了意大利美术导览属性，全书也可以看作是以文艺复兴为主线，以佛罗伦萨和威尼斯为舞台的西方美术史。意大利短时间之内可能都无法前往了，但好在历史和文化会一直都在，同时有本书这类作品可以用来望梅止渴。

文艺复兴的表现形式在艺术，但根源在思想，特别是古希腊哲学对基督教哲学的影响。除了时间线索，这也是本书的一条暗线。新柏拉图主义和基督教融汇之后带来了艺术观念上的改变，被艺术作品本身的魅力所吸引，并不是一种罪过。

更直接地说就是艺术作品除了传达上帝的旨意，也可以带来美的享受。这样一个在现在看来再正常不过的想法，在中世纪却是经过了艰难的斗争才得以建立。就像《玫瑰的名字》中传统修会和方济各会的纷争。

（《玫瑰的名字》里亚里士多德的《诗学》就是终极谜题“非洲之终端”的指代对象，因其内容有对“笑”的肯定，而在《圣经》里没有笑的概念。有人认为一旦古希腊圣贤的这一论证被发现，将会对旧的秩序产生冲击，因此制造了修道院中的多起惨案。）

说回这本书，就像上一本将米开朗琪罗作为重点着力介绍，本书的重头戏将目光投向了一位更“小众”的画家，波提切利。因为是他最初以古典神话为题材，超越了宗教题材的桎梏，而且没有传达上帝旨意的实用价值，完全追求美的享受。

但是随着佛罗伦萨的局势动荡和最主要的艺术赞助人美第奇家族的没落，波提切利晚年也不得不回归宗教题材。继承古典精神，偏好用艺术去表达深刻而理性内容的佛罗伦萨画派日渐式微，充满诗意的场景和情愫的威尼斯画派崛起。

得益于贸易重镇的特殊地位，威尼斯的画家更容易获得各种新奇和稀有的颜料，成就了威尼斯画派近水楼台的色彩天赋。同时水城为了画作能够防潮，将油彩（佛罗伦萨画派更多用蛋彩）和画布（之前是木板）的使用发扬光大。

其中最有代表性的人物就是另一位大师，提香。相比波提切利以诗入画，对美的极致追求，提香的贡献在于将色彩的作用提升到一个新的高度。他用色彩对称来突破构图对称，实现了画面动感的平衡状态。本书封面就是下图所示的提香的画作。

他的爱徒委罗内塞更是通过颜料的层叠发明了一种新的颜色，委罗内塞绿（Vert Véronèse，下图中画面左前方男子的衣着。爱马仕上一季新色中就有这个颜色，国内将其直译为“维罗纳绿”，但现在看来可能委罗内塞绿才是本意，更加想要一个绿色包包了。）

相比上一本，作者在本书中进一步展示了扎实的文字功底和对内容的高效组织。更加值得赞赏的是真诚的态度，既没有为了贴近读者的装傻卖萌，也没有为了彰显能力的高高在上。如果这个系列还有下一本，我应该会继续追下去，并且把书中的旅程付诸实践。

　　《如何看懂艺术2》读后感(六)：《如何看懂艺术2》：从故事和作品中读懂意大利的文艺复兴

　　提起意大利，我们首先会想到它是一个古老而又浪漫的国度，它的首都罗马，几个世纪以来，一直都是西方文明的中心；还有意大利的佛罗伦萨、威尼斯、米兰等城市，它们的建筑美轮美奂，它们的艺术万紫千红，旖旎的风光让它们成为了举世闻名的旅游胜地。

　　直到今天谈到艺术时，人们依然会想到意大利的文艺复兴，无论是画像还是雕塑，文艺复兴时代的杰出作品仿佛随时可以穿越时空，呈现在各个时代的文艺爱好者面前，几百年来都对西方的艺术世界产生着深远的影响。

　　也许有人会说，我不懂艺术，对那些名画不感兴趣。然而有一本书，它是由一个个生动的故事组成的，这些故事把一幅幅文艺复兴时代著名的艺术作品串联起来，仿佛带你走完了一趟意大利之旅，这本书的名字就叫《如何看懂艺术》。

　　如果你认为这是一部西方的译作，那么你就错了，这本书的作者是一位地道的中国学者，他的名字叫做——翁昕。

　　出身于艺术世家的翁昕毕业于两所国内外顶级学府：中央美院和伦敦苏富比艺术学院，丰富的艺术知识和专业背景，让他把一些著名的艺术家和那些深奥的艺术作品，用浅显而幽默的语言生动地讲述出来，引领着读者轻松走进一个广袤的艺术世界。

　　01、艺术存在的价值来源于它所传递的理念

　　如果要追溯意大利文艺复兴的起源，有一位宗教奇才起到了至关重要的作用，他就是被一些史学家定义为“文艺复兴第一人”的、“方济各修道会”的创始人——圣方济各。

　　在圣方济各之前，天主教修道士大多比较封闭，依靠世俗的香火钱来支撑开销，但很多修道院因此悄悄积累了很多财富，修道士的生活也比较奢侈。

　　但是圣方济各改变了这一切，他主张道士们应该去云游步道、积德行善，而不是聚敛钱财。为了证明自己身体力行，他穿着简朴，甚至把腰带换成了麻绳。

　　所以在贝林吉耶里的名画——《圣方济各祭坛画》中，圣方济各自甘贫苦的信仰也从他朴素的衣着中体现出来，创作者并不关注教主是否帅气，而是让他面带忧思、心事重重，看似他的灵魂正漂浮在象征圣光的金色中。

　　所以这幅《圣方济各祭坛画》的理念也和圣方济各本人很相近，强调了他清心寡欲的生活和积极布道的理念。有时候，优秀的艺术作品并不是为了凸显美感，而是让读者领悟到它背后的深意与内涵。

　　经过这样一番解读，参观者是否对这幅看似并不怎么完美的画作有了新的认识了呢？

　　02、艺术就是给想象插上翅膀

　　讲完了这位撬动了意大利文艺复兴的圣人，我们再来领略一下文艺复兴时期最伟大的艺术家——米开朗琪罗的风采。

　　对于佛罗伦萨人来说，《圣经》里的大卫有着特殊的地位，而在经常被人提及的五座大卫雕像中，米开朗琪罗的《大卫》最为著名，因为和之前的艺术家做所的大卫相比，米开朗琪罗的雕像与其它作品的本质区别在于它所承载的精神价值。

　　虽然在《圣经》中，大卫没有武功，全凭上帝的意志获胜，但是米开朗琪罗的大卫不仅外表英俊体格健美，而且目视远方表情坚毅，使得这座雕像不仅代表了佛罗伦萨人向往的理想气质，甚至成为了整个意大利文艺复兴时代的精神象征。

　　不得不说，这部作品是米开朗琪罗超越原著充分展开想象的成果。除此之外，整个巴洛特时代的代表人物——贝尔尼尼所做的《大卫》像个箭在弦上的斗士，也另有一番属于他那个时代的特质。

　　从这些不朽的文艺作品中我们可以看出，文艺复兴之所以诞生在意大利，原因之一就是它能够给予当时艺术家们自由创作的土壤。正是古罗马城宽松的学术氛围和无处不在的艺术气息成就了米开朗琪罗，就像有的史学家说的那样，米开朗琪罗只有在罗马，他才是米开朗琪罗。

　　03、让艺术架起国与国之间沟通的桥梁

　　回顾意大利的文艺复兴之所以能在整个欧洲蔓延开来，当然是离不开艺术的交流与传播的。当年，利奥十世在位时，他熟知艺术可以为政治所用，在与法国国王——弗朗索瓦一世会谈时，他甚至会带上达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。看到这些艺术大家，作为文艺复兴爱好者的法国国王，当时态度就缓和了。

　　而同样的艺术外交，还成为了威尼斯人用来和其他国家缔结友好条约的手段。比如15世纪时，奥斯曼帝国占领了曾经是威尼斯掌控的君士坦丁堡。威尼斯听说穆罕默德二世非常喜欢意大利文化之后，就派出了绘画大师真蒂莱为其画像。

　　穆罕默德二世

　　穆罕默德二世对真蒂莱非常满意，赐予了他骑士封号和土耳其金项链。而真蒂莱从君士坦丁堡带回来的，还有土耳其人的艺术风格，并且创作了很多土耳其当地的民俗小画，这些都为后来的艺术交流做出了重要贡献。

　　贯穿《如何看懂艺术》这本书，我们可以看到，本书通过一个个发生在意大利这片土地上的艺术故事，为读者展现了文艺复兴时期鲜活的社会背景和文化氛围，让读者在欣赏文艺作品的同时，还能聆听作者分享的故事。

　　《如何看懂艺术2》读后感(七)：《如何看懂艺术2》：一场艺术的旅行，一本艺术家的故事书

　　我们都听过那个故事：达芬奇刚开始学画画的时候，他的老师安排他对着不同的鸡蛋画，说每一个鸡蛋看起来相似，但是细看之下，无论是形状还是光影，均有种种不同，把鸡蛋画到极致，便可以出师了。

　　达芬奇听后，夜以继日，终于从画鸡蛋中领悟到绘画的秘诀，成为一代大师。

　　原来这个故事并不是真的，没有文献依据。但是这事并不完全是凭空捏造的，达芬奇的老师的确让他重复进行一项训练，只不过没有画鸡蛋这么夸张，而是让他画布料皱褶。

　　达芬奇就是在画布料皱褶中掌握了一种连老师都不会的技能，“渐隐法”绘画技术。掌握了这个技术之后，达芬奇的画技比他的老师更出色，《蒙娜丽莎的微笑》就是用这个技术画出来的。

　　是不是很好奇，为什么我会知道得这么多？

　　因为我看了《如何看懂艺术2》这本书，书中为我们介绍了文艺复兴前后，意大利艺术家们的故事。

　　作者翁昕生于艺术世家，毕业于伦敦苏富比艺术学院。回国后成为独立艺术经纪人，为中国藏家介绍并寻找海外经典大师名。翁昕围绕着艺术这件事本身，把冷冰冰的艺术家名讳还原成一个个鲜活的人，在了解他们所处的时代与境遇后，对于艺术你会有更多的理解。

艺术从围绕圣经到自主创作

　　艺术刚开始，并不像今天那样，是个高端大气的东西。

　　在文艺复兴前，艺术是为宗教和贵族服务的。意大利是文艺复兴的起点，艺术在这里发生改变。

　　我们可以看到在意大利佛罗伦萨有许多教堂、雕塑、画作等等，这些都是逝去的大师们留下来的艺术。

　　如果我们没有了解艺术作品背后的故事，我们看到的作品只能是赞叹一句，或者有不明白这样的也是大师作品的疑虑。

　　在文艺复兴前后的大部分作品，都是围绕圣经里的故事来创作的。

　　宗教信仰在西方是占据着人们生活的很大一部分，而上层阶级生活中的大事情都需要有宗教的痕迹出现。

　　我们知道，耶稣是西方早期人们最忠诚的信仰，他们的节日、婚礼、葬礼等等重大事项，通通都有宗教的参与。可以说在早期，不信教的人几乎没有。

　　所以文艺复兴前，我们能看到的画作和雕塑几乎都是以圣母玛利亚、耶稣、大卫等人物为中心的故事，在更早之前还有布道等主题的作品。

　　在《如何看懂艺术2》这本书里，有许多名家的画作，我们可以一边看着画作一边听作者讲故事，每一个名家的画作背后都见证着时代的发展。宗教在人们的心中的地位慢慢下降，艺术作品的形式便越来越丰富多彩。

　　从作品里只有宗教故事，到慢慢转向画其他人物、神话、风景，这些都有阶段性的变化，比如绘画，画作的载体由木板到教堂的门、墙、天花，再到画布，载体的不同意味着文艺复兴的脚步慢慢走来。

艺术家的身份从画匠到艺术家

　　在文艺复兴之前，艺术家不叫艺术家，他们只能叫画匠、金匠师等等。

　　他们和今天独立自由的艺术家有着本质上的差别。对文艺复兴时代的艺术家来说，只要开展工作，就必然受到当地行会的约束。行会的目标地努力保障行业健康、有序地发展。艺术家们都要加入某一个行会，并参加行会发布的工作或活动等等。

　　在1568年之前，人们会认为一件艺术品的价值绝大多数在于它所用的材料，艺术家所创造的附加价值则全部体现于那为数不多的“加工费”上。

　　而瓦萨里，第一个为艺术家写传记的人，他所著的《意大利艺苑名人传》让人们逐渐理解一件艺术作品的珍贵。在他著书之前，保守的上流社会人士眼中，一本《著名艺术家传》就和《著名修鞋匠传》一样，听起来毫无意义。

　　在那个时代，艺术家的作品是要根据雇主的要求完成的，雇主需要艺术家画、雕塑什么样的人物故事，他们就得老老实实地完成，不得有一丝的偏颇。

　　为了完成雇主的任务，同时又要比别的工匠更有创意和符合主题，他们绞尽脑汁，用自己的理解去诠释故事，创作出即合要求又有艺术价值的作品。

　　从委罗内塞和丁托列托两个人开始，艺术家在诠释主题时渐渐不受雇主的意见束缚。

　　委罗内塞在完成教会的一幅作品时，他用自己的方式诠释了“最后的晚餐”这一个委托，加入了自己的元素。教会在当时依旧有处理异端的法庭，而委罗内塞机智地改变了画作的名字，使得它的主题在教会看来是合情合理的，教会不得不接受这一结果。

　　文艺复兴运动使正处在传统的封建神学的束缚中慢慢解放，人们开始从宗教外衣之下慢慢探索人的价值。文艺复兴运动充分肯定人的价值，重视人性，成为人们冲破中世纪的层层纱幕的有力号召。

　　而艺术家的作品，也得以从宗教中慢慢地有了自己独立的思考。

艺术作品从平面到三维

　　我们在看从前的艺术作品时，会感觉画作、雕塑里的人物表情僵硬、动作死板，或者有“这样也是艺术”的疑惑。

　　艺术的发展也经历了一段时间，艺术技法进步，有着无数大师的努力。

　　透视法是艺术家们在绘画中前进的一小步，在透视法出现之前的欧洲人根本不懂得如何准确在纸上描绘三维物体的形状，学会运用透视法的画匠的作品，人物开始显得立体，画面中出现了较为接近直观感受的光影效果。

　　到了达芬奇，他开拓了“渐隐法”，他发现画面要努力模拟真人的视觉感受，给人以朦胧感和猜想的余地。在他把人物的边缘画得逐渐模糊，乃至消失不见，那么可以避免人物表情僵硬，甚至传达出比肉眼观看真人时更意味深长的情绪。

　　著名的《蒙娜丽莎的微笑》就是使用渐隐法来创作的，我们可以看到，蒙娜丽莎这个人物栩栩如生，仿佛眼前就有这么一个女子，丝毫不显得僵硬。

　　紧接着还有许多的技法，在艺术家们的悉心研究下创造出来，逐渐地，画作和雕塑变得越来越完美。

　　现在，我们在看到文艺复兴晚期及之后的作品，都会深深感叹“真好看”、“真震撼”，这些成就都是艺术家一代一代的改进得来的。

　　《如何看懂艺术2》就像一个导游，又像一个故事家，带我们了解那些艺术背后的故事。

　　当我读懂了这些故事，我在欣赏艺术作品时不再像个门外客一样，只会赞一句好看，而是真正沉浸在其中，感受到艺术的进步和带给人的震撼。

　　原来文艺复兴时期的艺术家们是个工匠，原来那些艺术作品都是雇主要求做的，原来从平面图一样的画作到有血有肉的画作经历了那么多人的努力。

　　艺术带给人们的，不仅仅是赏心悦目，更多的是感受历史的脚步。那些我们不曾经历的时代，通通沉淀在艺术和文学当中。当我们再次融入艺术作品中时，我们仿佛经历过那些时代，游历过艺术家们的生命中。

　　感谢作者带给我们的艺术之旅，让我们在有趣的故事中感受艺术，从无知到沉浸其中。

　　《如何看懂艺术2》读后感(八)：互为经纬织出如锦般的时代风华

　　文图 / 左叔

　　和一位与我约稿的编辑在微信聊起了个人的阅读偏好。我说，大致是两类书吧，一类是知识补足型的，一类是审美陶冶型的。

　　那是情急之下的一个答案，但这个答案也确实“鸡贼”了一些。因为它的涵盖面是不太确定的，既可以有字面上的足够宽泛，同时也指向某个相对狭窄的类向。

　　翁昕的这一本续作《 如何看懂艺术² 》，在我个人的阅读偏好里属于第一类“知识补足型”那个相对狭窄的类向之中。

　　这本书基本上是围绕“文艺复兴”这个主轴来书写的，扣住了意大利“双城记”佛罗伦萨和威尼斯，又梳理出历史经济社会技术等发展的“时间轴”和艺术不断趋向真善美的“进化轴”，以一个个灿若星辰的大师们的故事为点，形成了一本颇有一些看头的“梗概型”的“艺术之旅行导览”。

　　我不知道有多少读者和我一样，提到“文艺复兴”这个概念，脑海里自然而然地会想到达·芬奇、蒙娜丽莎、米开朗基罗、大卫等等……如果一定还要为这个概念再说一些什么，我勉强还能扯扯“人性解放”……如果还要再多，我就真得没有办法。

　　对于能力、兴趣之外或者与自己关联度不密切的事情，我们极容易满足于浅尝辄止，一方面因为没有钻研下去的动力，另一方面可能也觉得过于复杂，自己负荷不了的。于是，在现实中就出现了同样是站在博物馆里，内行人看到了来龙去脉、看到人眼前之物以外的内容，外行的我们只能凭感觉装模作样的点点头，有点悟性的可以感受到了一些难以言表的情绪，悟性差一些就只剩下“到此一游”了。

　　读完《 如何看懂艺术² 》 ，我没有像读基本有点“专业色彩”的作品一样，迷失在一众陌生的名字和隔行的概念之中，反而看见几条交织在一起的脉络，它们时隐时现闪动着引人入胜的趣味。

　　我想用我并不精彩的言语来概括一下我能看见的这些脉络：

　　最初，绘画作品是宗教主题，传道是它的基本诉求，布局上相对死板，艺术上几乎没有什么美感的诉求。有觉醒意识的先驱打破了这个僵局，开始效法自然慢慢通过“阴影”等技术将透视融入到了绘画之中，一代又一代的大师技术在不断地精进，笔触、色彩、线条、布局、平衡等等， 观众面对画作有越来越多身临其境的感受。

　　艺术主题以及它的表现形式，也随着社会发展从清律戒律的种种约束之中渐渐解放出来，有借着回溯古罗马时代的题材来展现思想解放、人性之美，也有只是单纯表现城市风貌的作品，这些都跳脱出了它原本的承载功能，只是单纯地作用在读者的内心感受之上。

　　当然，还有城市地域的不同所造就的艺术表现的形式上的些微差别，当然也包括风格技术上的显著差异。在这条脉络支线下，我顺便也了解了意大利的一些历史。在“文艺复兴”时期，意大利还没有实现“大一统”，“双城记”的佛罗伦萨和威尼斯是两个不同的政权。

　　晴空万里成就了佛罗伦萨拖着阴影更为立体“透视法”，而潮湿光影也成全了威尼斯绘画风格上的“流动性”，四海通商带来的颜料上的便利绘就出更为绚烂的色彩，连空气咸湿都让画作从木板移到了更为便于保管和交易的画布上，主题也因为是“旅游城市”的关系还有了风景画作。

　　经济社会技术发展与艺术、大师与时代、技法与风格等等脉络之间交织在一起，互为经纬织出一段如锦般的时代风华。

　　《 如何看懂艺术² 》 有个“副标”叫《伟大艺术品背后故事》，但翁昕讲故事还很克制的，因为涉及到的大师实在太多，洋洋洒洒自然不是很好的选择，注重差异性以及对这些大师在各自阶段所承担的“使命”点到为止。

　　我还觉得这本书编辑比较用心地方，就是将历史人物的生卒年份和活跃阶段用线段图标示出来，对于我这种外国人名不敏感的人实在是太友好了。

　　这本书的另一个“诉求”其实在书的最后有体现，那就是意大利文艺复兴之旅的导览，列出了博物馆和一些个人的经验。我比较欣赏的是作者的一个诚恳态度，不树无谓的权威感，而是期待“每个人走下来也有一定会有独一无二的意外之喜”。

　　《如何看懂艺术2》读后感(九)：文艺复兴时期，谁是最牛逼的艺术家？

　　如果我们有机会到佛罗伦萨，置身于艺术品的海洋中，这些伟大艺术品不仅能让我们欣赏到极致的美，也会给我们带来预料之外的“后遗症”-冒汗、抖动、眩晕。 1817年法国文学巨匠司汤达这样描述自己在佛罗伦萨的“后遗症”:“这生动的一切如此吸引着我的灵魂，把活力从我身体中抽走，我一边走着一边担心会倒下去。” 佛罗伦萨的艺术之美震撼人心，可这些美的背后却蕴藏着丰富的故事，有些是关于作品本身，有些则是来自于创作者本人。这些故事不仅能让我们更深切的理解“艺术品”，也让我们对创作这些作品的艺术家们心生敬意。

　　为了让更多的人能了解，这些艺术品背后的故事。生于艺术世家，足迹踏遍世界各地博物馆的艺术品经纪人翁昕，在《如何看懂艺术2》中，为我们讲述了，意大利文艺复兴时期佛罗伦萨和威尼斯两座城，有关艺术的故事。这些故事除了对艺术品的讲解，还有对艺术品产生背景的铺承，及对伟大艺术家的剖析。

　　一、意大利文艺复兴的教父-美第奇家族如何通过投资艺术从平民逆袭成佛罗伦萨的掌控者 到了佛罗伦萨，你会发现，几乎所有的建筑和艺术品都与美第奇家族有关。可以说，美第奇家族就是意大利文艺复兴的教父。没有美第奇家族，或许意大利的文艺复兴，就不是今天我们看到的这样-如此炫目和深刻。 美第奇家族的崛起即是一个家族的逆袭故事，也是一个城市成为艺术之都的历程。 美第奇家族的祖先是农民，经过几代人的努力，家族已经拥有了一定财富。到14世纪，美第奇家族出现了一个改变家族命运的人-乔凡尼·美第奇。 乔凡尼的时代，金融业已经初具雏形。乔凡尼毅然放弃家族原有的羊毛产业，在佛罗伦萨建立了第一家家族银行-那时银行的主要业务是兑换货币、典当和放高利贷。银行业务也在乔凡尼的谨慎投资下逐渐扩张。 但14世纪，放高利贷在基督教认为是一种“罪孽”。乔凡尼为了改变众人对美第奇家族“高利贷吸血鬼”的固有印像，开启了他的艺术投资之路。文艺复兴绘画的奠基人马萨乔就是得到了他的资助。 乔凡尼的儿子科西莫·美第奇继承了父亲对艺术的投资传统。而且他做了一次大冒险-资助才华横溢，但性格古怪的菲利波·布鲁内莱斯基，承接一百多年前始建的烂尾工程-圣母百花大教堂的穹顶。 布鲁内莱斯基花费近20年时间，成功将直径几十米的圆顶封顶，而这一工程的完成，也让圣母百花大教堂，成为佛罗伦萨的标志性建筑。大教堂的完工，为科西莫带来巨大的声誉。而布鲁内莱斯基，也因其在建筑上的伟大贡献，被称为西方建筑学的鼻祖-佛罗伦萨的建筑，都出自他的设计和督造。 除了布鲁内莱斯基，科西莫还赞助了雕塑家吉贝尔蒂，画家安杰利科修士和菲利波·利皮等，他们的作品也陈列在佛罗萨的不同的博物馆中。 科西莫的孙子-洛伦左，被称为“豪华者洛伦左”，在良好的家庭教育下，他不仅学识丰富，而且有极高的艺术鉴赏力。他不但善于发现艺术家，他自己独特的魅力也吸引了大批艺术家来到佛罗伦萨。而这些艺术家的到来，也为佛罗伦萨留下了大量的艺术珍品。波提切利、达·芬奇、米开朗基罗、韦罗基奥等，这些耳熟能详的，伟大艺术家的成功背后，都有他的身影。

　　对艺术的投资，对艺术家个性的尊重和包容，为美第奇家族带来了声誉和权利-他们从普通商人逐渐变为贵族，最后成为佛罗伦萨的掌控者，而佛罗伦萨也在他们的治理下，成为艺术家的圣地。这种投资艺术的家族传承，也随着美第奇家族势力的壮大，席卷了整个欧洲。 作为投资人，美第奇家族成员被画家入画，被雕塑家雕刻。乔凡尼、科西莫、洛伦佐虽然已化为尘土，但这些因他们主导或资助的建筑、壁画、雕刻……却永远记住了这个家族，也让佛罗伦萨至让人不能忘怀，蜂拥而至。

　　“坚毅”也是达·芬奇身上的重要品质之一。我们都知道，《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是达·芬奇的代表作，蒙娜丽莎那神秘的微笑令我们着迷，《最后的晚餐》中耶稣和12个门徒，在戏剧性的一瞬间，每个人的表情和动作，都表达出了符合他们个性的情绪。但在这些伟大的作品背后，是达·芬奇付出的超乎寻常的刻苦和努力。 达·芬奇一生中完成的作品仅有12幅，他并不是一个多产的艺术家，但他为创作，记录的手稿则高达6000多张。为了画出人物最真实的状态，达·芬奇不顾基督教会解剖人体的禁令，偷偷的将自己关在墓穴中解剖了30具尸体，只为了弄清楚人的肌肉、韧带、血管和骨骼在人体的真正状态。蒙娜丽莎微笑时，脸部牵动的肌肉、骨骼，都是在无数次素描后，才最终呈现在画布上。 《最后的晚餐》中每一个人物的举手投足等一系列动作也是达·芬奇精确思考，反复素描后的结果。达·芬奇手稿中关于人体肌肉、血管、韧带、骨骼……的详尽素描，也为未来的医学解剖奠定了基础。

　　提到布鲁内莱斯基和达·芬奇，我们经常将他们的“成功”归于先天的天赋或智商。但在天赋和智商之外，为完成最好作品的“坚毅”精神，才是他们“成功”关键。而这种“坚毅”的品质，不仅让他们能留下了伟大的艺术作品，也让他们透过艺术这扇窗，看到更广阔的科学世界，并且影响着后人。 三、伟大的艺术家是不断地超越自己 文艺复兴时期，佛罗伦萨是有理想，有抱负的艺术家趋之若鹜的地方。那里不仅聚集着最优秀的艺术家，还有着浓厚的艺术氛围，同时也有着最犀利的观众。只有不断打破和超越自己的艺术家，才能真正在佛罗伦萨这个艺术圣地占有一席之地，而故步自封者，只能黯然离场。 文艺复兴三杰之一“拉斐尔”的老师-佩鲁吉诺就因为固守成熟的技艺，复制已有的作品，最终不得不离开佛罗伦萨，回到家乡。

　　提香和佩鲁吉诺，一个被人们尊成为“文艺复兴第四杰”和“油画之父”，一个则在“舒适区”中被迫退出艺术的舞台。提香的成功就在于他不断的打破常规，超越自己。我们敬佩提香的勇气，但是也能理解佩鲁吉诺选择，因为我们大部分人最终活成了佩鲁吉诺的样子。

　　《如何看懂艺术2》是一本通过故事讲艺术的书，但每一件艺术品不仅呈现的是艺术作品的故事，它还承载着创造它的艺术家的思想、情绪、个性和品质。阅读这本书，我们不仅可以看懂艺术，还能看懂成就这些艺术家的因素:永恒的坚毅和不断超越自我的艺术态度。而这种态度不仅适用于艺术，也适用于我们自己。我们经常听到一句话:时势造英雄，但其实我们自己才是“英雄”和“成功”的创造者。

　　《如何看懂艺术2》读后感(十)：只要4幅画，你就能了解文艺复兴的核心内涵

　　提起文艺复兴，你能想到什么？

　　思想解放、人文主义？达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，“美术三杰”？抑或是，意大利的佛罗伦萨？

　　这些都是文艺复兴相关的知识，但是想要具体而深入的了解文艺复兴，想要有所收获的游览佛罗伦萨和威尼斯，翁昕的《如何看懂艺术2》就是一本不得不推荐的书。

　　翁昕出身于艺术世家，先后毕业于中央美术学院和伦敦苏富比艺术学院。回国后成为独立的艺术经纪人，并热衷于为艺术爱好者科普艺术知识，是知乎上的艺术达人。这本《如何看懂艺术2》就是在向我们普及文艺复兴时期，佛罗伦萨和威尼斯两个城市里艺术大师的创作故事。

　　依托于此，恰好能组织一趟为期7到10天的意大利艺术旅程。在博物馆或宗教场所欣赏大师的作品时，那些背后的故事仿佛能听到翁昕在缓缓道来。

　　01 一板一眼画故事，绘画是任务却不是艺术

　　13世纪中期的欧洲，绘画作品被创作出来并不是为了欣赏，而是受托于委托人，让画面看起来肃穆、规整、清楚才是最重要的。至于“赏心悦目”，那绝对不是大家想要看到的艺术效果。

　　图中穿黑色僧袍的人名叫圣方济各，他的表情和体态，都显得颇为僵硬。他身后的两位天使几乎一模一样。《圣方济各祭坛画》表现的是天主教圣人方济各云游布道、积德行善的虔诚信仰。作为教会来说，他们希望信众观看这幅画时，不要过多地关注圣方济各是否英俊帅气，而是关注一些更重要的事。

　　所以，画中的圣方济各面带忧思，因尚未得救的世人而心事重重；天使在他周边，向他传达需要帮助的人的信息。这样一板一眼的的略显木讷的故事画，只是属于那一个年代的创作。艺术在创作过程中，不能添加任何修饰，对称的构图、暗淡的色彩都给人一种极强的压迫感。

　　我们常说“黑暗的中世纪”，宗教在社会中占主导地位，拥有绝对的权威。文学、艺术都得按照《圣经》的教义，任何人都不得违背，否则宗教有权对违背教义的教徒进行制裁，甚至处以死刑。这样的社会背景下，极大地遏制了艺术创作的积极性，完成委托人的任务是创作的最主要目的。

　　02 画布上的真性情，艺术流露出人情味

　　之前，绘画的目标是认真仔细的完成委托人的任务，不得添加任何渲染生动的情绪。经过半个世纪的发展，到乔托时，他做了一件前人从未做到的事情：他的绘画让人物保持克制的前提下，谨慎的抒发了个人情绪，并引起人们的共鸣。

　　《哀悼基督》通过前后的构图手法，将圣母拥抱耶稣的悲伤表达出来，面露哭相，但没有流泪。被信徒托着头部的耶稣，使其不至于垂落，这种处理让画面悲痛但且克制。其余的抽泣着的玛利亚，情绪激动、张开双臂的圣约翰，画面边缘忧伤克制的教徒，平衡了整幅画的氛围。让“旁观者”参与其中，却不至于过分悲恸。

　　乔托为后世的艺术家树立了一个榜样：既可以按成委托人的任务，同时可以追求艺术的表达。即便艺术的创新可能不符合教会原有的规矩，但它既能传达出画面本身要表达的信息，又能够让人身临其境，用情绪带动观众，对教会的教义产生更强烈的认同。

　　对任何艺术来说，规则和制约在任何时代、任何地点都存在的。难点在于艺术家们如何平衡好规则和创新的关系，在既有的框架内完成自己的表达。在严谨的教会委托中，表达出人的情绪，用初跃画面的真性情冲破教会的束缚，乔托用自己的作品寻找到一丝光明。

　　03 盛世的前奏，身边人物入画像

　　在乔托能够谨慎而克制的表达人物情绪之后，更多的艺术家通过处理光与影的关系、通过透视手法和更好的构图方式，更加生动的表达着自己的思想。

　　利皮在1465年的作品《圣母子与两天使》，更是将人文思想推向高潮。画中的圣母，很有可能是他的真命天女卢克蕾西亚本人。圣母右侧的小天使，在艺术史学家比较后，认为是利皮的儿子，日后也是画家的菲力皮诺。

　　这幅画中，圣母优雅、貌美，庄严的神性被空前的弱化，世俗的天伦之乐却栩栩如生。这幅宗教性质的圣母子像，在很多人看来，实际是利皮家庭内部的“母子图”。我们所处的视角，恰恰是作为画家、父亲和丈夫的利皮的视角。

　　将身边的人物，画入神圣的宗教画中，以此来表达对人性的发现，正是文艺复兴的前兆。我们之所以认为，利皮是衔接文艺复兴早期和全盛期的关键人物，除了将现实生活导入宗教绘画外，还有利皮对整个画面背景的层次处理，和对圣母衣服细节的勾勒。

　　虽然在绘画上有所突破，但艺术仍旧为宗教服务，并没有从宗教的枷锁中解脱出来。我们可以看到一代代艺术家在表达自我的诉求，在绘画构图、色彩、笔法的创新，可是艺术的主题依然是圣母子，艺术的目标依然是传播宗教信息。

　　04 文艺复兴，艺术本身就是艺术

　　直至波提切利画出了《春》，即将古代的神话故事用绘画的形式表达出来。从贝林吉耶里的《圣方济各祭坛画》后的两百余年后，终于出现了一幅以古典神话为题材的绘画作品。

　　在这幅画中，右侧带翅膀的蓝色男子、被抓住的女子和身穿花朵的少妇，出自古罗马诗人奥维德的《岁时记》。讲了风神泽菲罗斯，夺去仙女克洛里斯的处子之身，使其变成更具风韵的花神佛洛拉。

　　中间是爱神维纳斯，她头顶的天使是她的儿子小爱神丘比特。左侧三位翩翩起舞的是美惠三女神，代表世间的真、善、美。最左侧的是为众神传递信息的墨丘利，他用魔杖轻挑，挡住吹来的风。

　　画中维纳斯背后的树林巧妙地形成一个拱形，彰显着她的地位。象征真、善、美的三位女神，身着轻纱，舞动身躯，代表了大自然赋予人间的美丽、生机和创造力。

　　不论绘画题材，还是作品的展现手法，波提切利都用实际行动传达着这样一个观点：艺术家应该竭尽所能的创造出打动人心的作品，不应该为了避免作品吸引人而故意去克制艺术美。被艺术本身的魅力吸引，并不是一种罪过。艺术家不应该为了宗教而生，而应该为了追求艺术而艺术。

　　05 艺术不再是宗教的艺术

　　早在公元6世纪末期，教皇格里高利一世曾向神职人员公开表示，务必让信众能从图像中获取历史知识，同时确保他们不会因为盲目崇拜图像本身而为自己增加罪恶。

　　至此之后的几百年里，宗教题材、压制人性、克制情绪成为绘画艺术的主题。一板一眼的《圣方济各祭坛画》，木讷而压抑。初露真性情的《哀悼基督》，悲伤但克制。以真人入画的《圣母子与两天使》，温情但不离宗教。直至古典神话的《春》，解放了艺术的桎梏和人性的枷锁。艺术家可以真正的追求艺术，世俗世界进入人们的关注。

　　“任何意见跨越成百上千年的时光，陈列在我们面前的艺术品身上都有一个值得被讲述的故事”，艺术品用他们本身诉说着关于时代、关于作者的故事。我们通过这些故事，了解历史，看世事变迁，看沧海桑田。

　　翁昕用《如何看懂艺术2》这本书，向我们讲述着一群艺术家的故事，他们用绘画诉说着自己的表达，传递自己的思想。艺术不再是传播宗教的工具，艺术本身就是具有审美价值的。它凝聚着艺术家的创造力和心血，艺术家可以自由创造，这就是文艺复兴的本质内核。

　　如今，绘画自由的表达着作者的观点和想法，不再受制于宗教的教义。艺术不再是宗教的艺术，艺术就是艺术，仅此而已。