《如何拍电影》是一本由[法] 克劳德·夏布罗尔 / [法] 弗朗索瓦·盖里夫著作，后浪丨北京联合出版公司出版的精装图书，本书定价：49.80元，页数：128，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
●一句话就点通很多。
●书中结语：任何不能把拍摄过程当作享受的导演都不该继续拍电影。他应该去干点别的，世界上还有三十六种别的方法可以表达自己。有些导演会说：“我的电影完成了，剩下的事情就是拍摄了。”从某种角度上说，这是对的。但拍摄必须令人幸福才行。很显然，当我们知道自己的前进方向时，才有快乐可言。如果我们像个盲人一样朝前走，任何人都会觉得烦躁不安，这也是时常发生的事情。
●文如其人。
●篇幅很短，私货有趣。在夏布罗尔眼中，导演分叙述者和诗人两种类型，他提到戈达尔，诗人导演无疑，但更多深陷于自己为作品所赋予的形式罗网之中。
●耿直的夏导，“让-吕克是一位借用电影进行表达的作者。我更多的是一个电影的作者，电影是我的专业领域，我在这个领域里进行表达。”虽然专业知识匮乏，不过读起来很有趣。
●去掉紙皮的封面高級的好看；薄薄一本 內容雖簡單卻實用 很適合入門閱讀
●夏布洛尔的《漂亮的塞尔吉》是比《四百下》更早出来的新浪潮电影。这本小书是他写给想拍电影的年轻人的建议，按流程一步一步提出自己个性的见解，比美国人写的同类书有趣。他将导演分为诗人和叙述者两种，而他则在这两者之间游走。崇拜李安的朋友可以学习他。
●拍电影很贵的，导演最好知道自己要的是什么！太浅了，说实话
在上海书展后浪展位五折买的，当时人挤人，在货架上只看到这个和斯科塞斯熟悉的，就拿了这两种。
书并不厚。120多页，章节分得也舒朗，读起来可以很快，可是真的理解并琢磨实行就不是小工程了。
夏布罗尔在我以前狂看欧洲片时候也看过两部。看介绍说他在法国新浪潮著名导演里拍片最多，效益也好，不多在当时的D 版市场上好像片并不多。就我来说，目前是特吕佛和侯麦最多，十几张，戈达尔也有七八张，里赫特和夏布罗尔两张。不是翻豆瓣记录，我都不记得看过夏布罗尔的电影名字是什么。其他几个人印象还是深刻的。
这本书都是夏布罗尔的大实话，怎么拍片，没高深的理论，只有具体的想法，导演是做什么的，是写给业界内的人的书，首先告诉你，“拍一部电影是很费钱的。所以在讨论如何拍成一部电影之前，我们首先要问问自己为什么要拍电影。 为什么？答案因人而异。 在我们这个时代，电影收获了一种相当诡异的声誉。我们同时代的人想做的不是拍电影，而是进入电影圈，这完全是两码事。想“进入电影圈”的人不会对拍电影产生真切的需求。拍电影这事，并不像他们所呼吸的空气一般不可或缺。 ”
然后告诉你各部门的流程，应该注意的事项。场面调度对一个资质平平的人来说就只要4小时就可以学会，至于好坏那 是天壤之别了。
分门别类的谈的服装音乐节奏等等。非常实在的拍电影入门书，但是师傅领进门，修行在个人。世界上的烂片肯定比好片多。
做到业界一定位置，说话也可以这么随心所欲，不拿着端着了。
《如何拍电影》读后感(二)：有趣的导演入门参考
就像夏布罗尔说的，让导演谈“怎么当导演”又简单又难：简单的是，“场面调度的理论知识”四小时就能学会、各种课程都能细微的教导镜头的把控，等等；难的是，这些东西又不是明白了理论就行，需要不断实践和总结。
因此“我们绝对不能说就是应该这么做，因为每个人都有自己拍电影的那一套”
【关于演员】
“对我来说，我不喜欢为某几个特定的演员量身定做的剧本。即便我知道谁会出演，我也不会为了他们而创作，因为我感到如果那样的话，很可能会生产出复制品和相似的东西”
“我要用某个演员，我要使用他的性格特点来编写对话，（这样做）优点是我们可以用文字游戏和名人名言轻松地写出对话，因为在这个文本中，该演员会是最佳人选。缺点是我们使用的是这个演员先前的性格特点。这就最终演变成了无意识的重复。永远不要忘记，有时候演员身上吸引我们的东西会变成令我们厌恶的东西，因为他们老是同一个样子”
“引导演员以您希望的方式去发现人物角色，这么做就会一切顺利”
“此外，我在拍摄之前和演员说话或者给他们留言的时候，一贯以他们在影片中角色的姓名称呼他们”
“既要和他们足够接近，又不能依仗他们，不能在他们的空档期见到他们”
【关于场面调度】
“要让人根据特定的节奏，以凸显其人性的方式在空间里移动...这和他们说的推拉和变焦速度等无关”
【关于音乐】
“音乐在一部电影中扮演什么角色？我经过反复思考认为，音乐的作用是提醒观众，他们看到的只是事实的一部分”
【关于影评】
“有时一部电影要获得赞誉或许得等待无数年。同样的道理，大手吹捧的电影二十年后可能是差劲的作品”
《如何拍电影》读后感(三)：摘录
如何拍电影 克劳德·夏布罗尔 弗朗索瓦·盖里夫 8个笔记 有两类电影导演 反过来，过于谨慎的诗人很愿意表达他们的Weltanschauung，但不希望为此付出太多的代价。如有必要，他们可以背叛自己的世界观，以赢得观众。如此，他们也就变成了叙述者。这并不是一个负面的行为。他们会奋力追求简洁的风格和扎实的剧本，由此弥补其叙述内容与真实想法不相一致的矛盾。我也遇到过这种情况。而在您变成叙述者以谋取生计的过程中，可能会时不时地意外遭遇一个来自您那个世界的人物。这就像在陌生人家里认出朋友的脸：总是一件赏心乐事。 思考或感官 看待电影有两种办法：把它当成一部思考性的作品，或者把它当作一部感官性的作品。许多电影完全没有进行思考，只唤起感官体验。目前在导演中流行的就是感官性电影。这可以让他们少花一些力气，在该介入的时候退出来。如果我要拍摄的场景如下：一个男人几经犹豫之后，最终杀死了自己的妻子，因为她没有背叛自己——看，这个情节够复杂——那我就是在拍一部思考性电影。而因为其中蕴含了思考，所以由杀死女人带来的感官体验会更加强烈。 原创还是改编？ 我们改编一部作品，未必是因为喜欢它的情节或人物，也可能是因为在书里找到了一种特别的韵律，甚至有可能是因为书中呈现出的画面质感。 演员（四） 就我的经验来说，我曾经跟傻瓜合作过，但我从来没有与人在摄影棚因为权威的问题争吵过。这是因为，我在拍摄之前会进行大量思考，所以我极少在拍摄现场想法枯竭。通常情况下，想显示自身权威的演员会抓住您的弱点进行插手，但如果您自信心十足，他们就不会有可乘之机。如果您在现场犹疑不定，他们便会钻空子。 道具管理员 为了让苍蝇顺着磁铁方向前行，他在苍蝇的屁股上安了一颗小磁铁。这，简直太绝妙了。 布景 这也是为什么最好以实景开始，以摄影棚结束，因为让棚内的拍摄去适应实景的风格要比反过来更简单。 Combo的使用 通常来说，演员看到拍摄效果会更安心。而演员越是担心（他们往往会担心），就越需要给他们吃定心丸。
《如何拍电影》读后感(四)：《如何拍电影：夏布罗尔导演札记》摘录
叙述者就是那些想讲故事的人，他们的脑子里并没有一道独特的世界观，似乎也没有特定的信息要传达。相反，他们想为他人创作的故事赋予诱人的形式。到最后，这些人几乎是被迫使着专注于形式，但他们要把形式推向深处。即便是一个无话可说的导演、没有任何编剧才能的导演，乃至想象力枯竭的导演，也可以成为一个了不起的电影导演，只要他可以掌控所有用以组成电影、且不仅限于技术层面的参数。
用我们德国邻居的话说，诗人是那些有着 Weltanschauung（世界观），并尝试着表达出世界观的人。有时候这些“诗人”(我没找到更合适的词语，所以沿用这个称呼)也有叙述的天分，这很好。但一旦叙述者最后拥有了Weltanschauung，他就不可避免地要归在诗人这一边。
如何创作剧本？ 我们必须完成一个文学创作或者戏剧创作，抑或糅合两者。但在这个剧本创作的过程中，一定要竭尽所能把电影里必须拥有的节奏要素和音乐要素考虑进去。所以在我看来，应该尽早训练自己这样说：“看，这幅场景进行得有点慢了，我要加快节奏”，或者反过来，“如有必要，我要一直走到临界点为止”。用韵律学术语来精确表达剧本，是一件需要慢慢学习的事情：这就是韵律学和剧作学之间的关系。有些场景看上去很慢，但从剧作角度看，它们足够强烈，看起来依然有韵律感。同理，有些场景看似节奏很快，但其实破坏了韵律。
许多电影完全没有进行思考，只唤起感官体验。目前在导演中流行的就是感官性电影。这可以让他们少花一些力气，在该介入的时候退出来。如果我要拍摄的场景如下：一个男人几经犹豫之后，最终杀死了自己的妻子，因为她没有背叛自己——看，这个情节够复杂——那我就是在拍一部思考性电影。而因为其中蕴含了思考，所以由杀死女人带来的感官体验会更加强烈。
事实上，从观众注意到摄影的那一刻开始，从某种意义上说，他已经稍稍地与电影分离。或者摄影很脚（例如对演员的照明很糟糕，或者蜡烛的影子进入了演员的鼻孔），观众注意到了，认为电影拍摄得很差；或是摄影很“浮夸”，林中落日般的绚丽风格，这时观众则会把注意力从情节上转移开。观众必须在电影结束的那一刻肯定摄影的质量，在放映过程中这么做则是危险的。只有在事后，当观众意识到他感受到了演员面部的肌肤、追随了情节发展的时间点、随着电影的一步步进展捕捉到了气氛的转变时，摄影才是真的美。
我对服装的协调问题并不特别看重。我在这方面一直试着现实主义，以便在其他方面少一点现实主义，多一点“意味”。如果我们开始对自己说：“所有男士领带都必须相配”，最后的结果或许会很可怕。我们只要确保镜头与镜头之间、或者角色与角色之间没有刺目的矛盾冲突就可以了。所以和服装师接好久没有问题了。就我个人来说，这方面我更习惯与女性合作。我要找的服装师不仅要对时尚有品位，同时也要对电影有品位，因为一个舞台服装师很容易搞出一些成套的东西来。但是一定要注意，别让她出错。
对于拍摄电影的人来说，批评性的电影评论中总是有令人咂舌的一面。第一反应肯定是：“这个臭流氓，花了两个小时看电影，四个小时写文章，他懂什么？”但反过来，如果评论是捧场的，电影人则会认为记者的工作完成得漂亮。于是问题来了。我自认为找到了解决办法：我们必须承认，无论一个评论是写作者发自肺腑还是胡编乱造的产物，它都是一个有能力表达自己感知的人在某个特定的时刻产生的感知。就是这么简单，没有别的。
《如何拍电影》读后感(五)：从《如何拍电影》中学习如何看电影
这是一本由法国新浪潮导演的写的100%纯干货手册，篇幅不长，全书共127页，字体也比较大，阅读感非常舒适。
本书的作者是法国“新浪潮五虎将”之一的克劳德·夏布罗尔。作为“五虎将”中作品最多的导演，他在中国的知名度并不高，而且还经常被指责“背叛了新浪潮”。他的作品风格多变，有“新浪潮”的奠基之作，还有超现实主义风格的神秘之作。除此之外，他还拍摄了不少“平庸”的，却在票房上大有斩获的商业片。作为《电影手册》的编辑之一，他是“作者论”的积极倡导者，作为“五虎将”之一，他不畏主流，不在乎荣誉和奖项，始终对电影保持着纯粹的热情。《如何拍摄电影》是一本集合他几十年上百部电影制作经验的著作，书中他将片场内外的经历，以及自己对电影事业和拍摄技巧的想法娓娓道来。他对法国的电影产业、电影导演特点非常熟悉。通过阅读这本书，读者既能体会到电影大师的观念，又能对不同于好莱坞的法国电影产业有所了解。读完这本薄薄的小册子，再去看曾经大呼看不懂的《天使爱美丽》，定会有不同于以往的感受，那一帧帧带着法国浪漫气息的，如明信片般的画面中饱含着信仰与坚持。
全书以“开场白”开篇，共分35个章节，每个章节都短小精悍，佳句连连。章节名也是直戳我们平时看电影的疑问点，比如“为什么拍电影”、“原创还是改编？”……在观影热情高涨的今天，观影者不能只做一名贡献票房的小火苗，更需要有一定的理解力，花了几十元甚至上百元走进电影院，不只是凑热闹，更应该通过观影得到了些什么。观影不仅仅是消磨时间和约会方式得一种，还是欣赏艺术与学习的过程。正如作者在开场白中所说的：“如果有必要的话，我们可以从过去的电影里学到一些东西，对电影进行分析，超越感官进入分析”，电影艺术作为成熟稳定型的年轻艺术形式，赋予观影者的除了视觉与感官效果，还有导演的思想。当然，“开场白”中作者也提到：“但我们绝对不能说‘就是应该这么做’，因为每个人都有自己‘拍’电影的那一套。”比如导演王晶曾表示：“传达思想的电影让教育界去做，我只拍观众爱看的电影，不拍电影给自己。”
当大家对电影进行评价时，导演作为电影的主导者，他的个人风格必然是大家讨论的热点之一。在本书中，夏布罗尔将导演分为“叙述者”和“诗人”两类，“叙述者”就是那些单纯想给大家讲故事的人，他们的电影向大家展示的是普世价值观，内容上没有特定的信息要传达。他们将更多的精力投入到形式上，甚至只专注于形式，尤其是在电影技术日渐成熟与多元化的今天，形式被越来越推向最深处。这一类导演往往希望通过拍摄方法，也就是形式，触动观众，用精神状态与观众沟通，而非在哲学层面与观众产生共鸣。在夏布罗尔看来，恩斯特·刘别谦是这类导演中的佼佼者，作者认为刘别谦是“唯一一个称得上举世无双的技师的人”，因为他的技术十分独特，只专注于某一部分，大胆的去除那些他认为不重要的东西。而被法国电影界认为是熟练技师的导演却并没有得到作者的认同，比如吉勒·格朗吉耶，作者认为他的拍摄手法并没有亮点，真正让他脱颖而出的，是电影呈现出的对事物的看法。夏布罗尔在说到“叙述者”导演时用了“技师”一词，因为他认为只要导演本人掌握所有拍摄电影的要素，并将其运用到驾轻就熟，就可以成为一名了不起的导演，甚至他不需要有才能、不需要有想象力。所以，在电影的世界里，人们往往认为有思想的“诗人”导演要比走技术路线的“叙述者”导演更高贵。但事实上真的是这样吗？夏布罗尔指出“电影史上最糟糕的电影亦出自诗人之手”，有些诗人搞混了“世界观”与“对事物看法”的概念，他们认为自己在传达“世界观”的时候，其实只是在表达自己对某样事物的看法，并利用自己极强的辩证精神在电影作品中展开论述，阐释自己观念正确的同时，还会用些篇幅解释为什么其余观念不正确。在一些“诗人”们看来，他们的观念才是人类前进征程的唯一路径，其中不乏一些“大胆的诗人”会提出先锋的概念，而这些概念其实与他们的世界观并一致，他们只是在用“先锋”的概念编织形式的罗网，使自己成为“说教派”。还有些“谨慎的诗人”在表达自己世界观的同时，不想付出太多的代价，甚至如果有必要，他们可以为了赢得观众而“背叛”自己的世界观，从而让自己变成一名“叙述者”。然而这并不是一个负面行为，因为导演为了拍出好的作品，会将更多的精力投入到简洁的风格和扎实的剧本中，从而化解他叙述内容与真实想法不一致的矛盾。这段话似乎是在说夏布罗尔本人，因为他的确拍了不少票房火爆、受大众欢迎的商业片。在书中他也写到“我也遇到过这种情况。而在您变成叙述者以谋取生计的过程中，可能会时不时地意外遭遇一个来自您那个世界的人物。这就像在陌生人家里认出朋友的脸：总是一件赏心乐事”，这段话似乎是在解释作者自己在电影界引起的争议。夏布罗尔不是一个激进的人，在他的叙述中我们可以感受到这一点，在“为了拍出更好的电影…”这一章节，他写道“导演要学会聆听。一个导演最忌讳的，就是拒绝聆听。”并举例说明，在不妨碍任何人的前提下，他愿意做出一些让步，并认为“如果我在类似的细节方面做出让步，我就可以绕过原则问题，成功地做成我想做的事”。
我们常在电影宣传中看到“大制作”的字眼，动辄投资上亿元，演员阵容也是大咖如云，观众们自然蠢蠢欲动的想去看个究竟，然而最后的豆瓣评分却惨不忍睹，骂声连连。究其原因，正是夏布罗尔在“思考与感官”章节内所说的看待电影的两种方法——思考性或感官性作品。
有些电影将全部的精力都花在如何唤起观众感官体验上，忽视了思考环节，这样方式引起的注意自然是昙花一现。作者举例道“如果我要拍摄的场景如下：一个男人几经犹豫之后，最终杀死了自己的妻子，因为她没有背叛自己——看，这个情节够复杂——那我就是在拍一部思考性电影。而因为其中蕴含了思考，所以由杀死女人带来的感官体验会更加强烈”。相反，有些导演在拍摄过程中抱着“我才管不了那么多，我对处理场景的方式不干兴趣，我感兴趣的是有多少辆汽车转弯，这是效果，我拍摄的时候要看的是这个”的心理，拍摄出的作品很可能就只会让观众一时爽，看完特效，脑袋和心里依旧空空如也。例如电影《阿丽塔》，导演所要展现的不单单是女主“人狠话不多”的动作场面，更是在构建一个架空的“新世界”，为之后的一系列动作做铺垫。
除此以上几点，夏布罗尔还向我们介绍了很多拍摄电影的元素，例如剧本、演员、制作人、剪辑等等。可能会有人觉得，作为一本售价几十元的精装本，这本书字数不多，略显价高。但读完后你会发现，作者留给读者的咀嚼和品味空间很大，阅读不是填鸭式的喂饱，而是需要消化后变成身体的养分。如果你想通过看这本书学会如何拍电影，那是不可能的，因为这不是一本手把手教你拍电影的教科书。这本书通过简单、清晰、实际的文字向你讲述“电影观念”。很多东西是无法教会的，需要本人通过体会、思考以及直觉去感悟，作者夏布罗尔向我们指明方向，剩下来的则要靠我们自己解决，作者希望每个人都能通过阅读这本书“找到自己的方法”。
读完这本书再去看电影时，你应该就能够不仅仅用“好”与“不好”来评价一部电影了，你会从一部电影中看到更多的内容。最后，我想提到“结语”中的两句话，因为它不仅适用于导演，更适用于所有人，“任何不把拍摄过程当作享受的导演都不该继续拍电影。他应该去干点别的，世界上还有三十六种别的方法可以表达自己”；“很显然，当我们知道自己的前进方向时，才有快乐可言。如果我们像盲人一样朝前走，任何人都会觉得烦躁不安，这也是时常发生的事情”