《摄影小史》是一本由[德]瓦尔特·本雅明著作，理想国 | 广西师范大学出版社出版的精装图书，本书定价：39.00元，页数：176，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。
●终于读到了“灵光”出现的时刻。印象最深的一点：法西斯主义是让艺术艺术化，共产主义则是让艺术政治化。
●给本书的装帧、设计、排版、印刷打满分！选了本雅明几篇经典文献，值得重读。下半年希望可以多读有关摄影和电影方面的著作。
●19.12.17，当当。
●买来主要是想看机械复制时代的艺术作品一章，这个译本好多了。 看完深深折服，句句金句。我们在讨论、想讨论的问题早都被讨论过，我们还对此一无所知。
●得重读吧。 怎么读完跟没读一样……
●能消化好久
●多角度的思考这种光韵的消逝是一件好事，读着老觉得对于过去人们果然老是存着怀念。本雅明对于摄影的这些理论有其敏锐和先验性，但是也不一定适合发展到如今的摄影，这也符合他对于摄影这一事物的态度，并非站在怀旧态度批判新的这种摄影的出现。
●摄影小史主要论述了两个问题：作为艺术的摄影以及作为摄影（或者说照片）的艺术。机械复制时代的艺术品或可看作对小史中后一问题的发展—摄影以及电影如何改变对世界的感受方式。灵光消退在这篇文章中不再是一件纯粹消极的事件，电影的发展开启了新的可能：读者与作者的边界逐渐消解，表演/生活的界限被打破。对法西斯政治美学的论述或许是《迷人的法西斯》以及周蕾的一些类似文章的源头。
●“被拍者曝光的时间很长，久久静止不动而凝聚出综合的表情。”曝光过程使得被拍者并非活“出”了留影的瞬间之外，而是活“入”了其中；在长时的曝光过程里，他们仿佛进到影像里头定居了。←对这个场景和“灵光”非常向往（。）
《摄影小史》读后感(一)：评《摄影小史》
本杰明作为一个很杰出学者的对于摄影的看法，其中关于历史并没有连续性的阐述，而是一些论文的合集。有些观点在当今社会还是可以找到影射，他对摄影的预测基本正确，“灵光”的消灭，每个人都成为捕获者，艺术从专注成为消遣，这些都是摄影技术，媒体，包括电影给我们带来的影响。关于战争的论述令人悚然，纳粹的目的是实现一种绝对的艺术美感，或者把战争提升为一种艺术美，这是我第一次听说。还有最后对于中国艺术简单的论述。
第一部分是摄影小史，主要讲了尼埃普斯和达盖尔发明了摄影术后对绘画等相关行业造成的影响。
第二部分是机械复制时代的艺术作品，主要讲摄影术使得能够对艺术作品进行大量复制及苏联和德国对运用电影进行宣传的相关看法。
第三部分是绘画与摄影--第二巴黎书简，主要讲摄影和绘画之间的相互影响；第四部分是法国国家图书馆中国画展，主要讲对中国古典写意书画的看法。
第四部分是关于中国古典写意画的看法。 观感有四
一，书中插图的排版比较不讨喜，一连几页纸都放图片，导致看完图片后前后文比较难衔接起来。
二，注释在每部分的结尾处，一下来个七八页读起来不舒服，让人害怕。
三，感觉书里对相关的的讨论有些话多且杂了，比如达达主义、无产阶级、资本主义、法西斯主义、战争美学之类的，读起来容易走神。
四，突然对书里提到的苏联电影的许多演员是一般民众扮演的，其角色就是演自己本身，而西欧资本主义电影工业则拒绝满足现代人看到自己的复制形象的渴望，利用幻影奇景及模棱暧昧的投机来激起大众的兴趣这个现象比较感兴趣，想想现在西方电影的拍摄手法，真的是说得太形象了！还有就是看了书里面的插图，想找苏联电影《战舰波将金号》来看看……
最后建议读者泛读，不要学我精读，比较费时间。
《摄影小史》读后感(三)：机械复制时代的艺术
此书有四篇文章组成。 1.《摄影小史》翻译略显生硬且很多地方没有转换成汉语语言习惯，读时要在脑子里在转换一下；本雅明提出的理论倒是经典。当摄影刚开始出现，人们以为它只是机器复制，它与绘画的不同犹如钢琴与小提琴的不同（钢琴只管依谱按键就是了，而小提琴需要自己找音），那摄影如何才能成为/称之为艺术？人们拍照时，并不仅仅只是“复制”眼前事物，而是以自己视角来解读图解。摄影的出现有益于艺术品的普众化欣赏，新闻报纸行业的发展。至于本雅明提到的“灵光”是不是在摄影刚开始出现时，人们在照相时面相衣着体态呈现出的一种“古典绘画”范式，犹如银制相框里老一辈“贵族”范式？试想：如今我们可以用手机随心所欲取镜拍照又可以选择各种滤镜修图，以期达到我们想要的美好效果；此时的摄影艺术又该如何定义？（或许终究还是摄影师的图解给我们带来不一样的视角）。
4.中国绘画与文学的结合——书法，写意的艺术性。
2.《机械复制时代的艺术作品》本书重中之重。译者同第一篇，译文读起来明显顺畅，明显是经过反复琢磨后落笔成文。（希望第一篇译文能再修改下）
终于读到本雅明所说的“灵光”。
3. 绘画与摄影 ---翻译又开始跳闸了。译者同第四篇。
（深深怀疑1&3是近期译作，都未经仔细揣摩。编辑审核哪里去了呢？另，这两位译者都是台湾的。）
《摄影小史》读后感(四)：烟雾与“灵光”
“摄影的滥觞时期，烟雾飘杳，并不比笼罩在印刷术起源时代的迷雾浓。”本雅明在《摄影小史》的开头就营造了一个雾气缭绕的氛围。围绕着“模糊”、“真实”，“过去”、“未来”，本雅明描绘了摄影发展的历史，将自己的艺术观融入了对摄影历史的叙述中。
摄影借助其非比寻常的清晰度与自然的忠实再现，造成了令人极为震惊的效果。与传统的绘画相比，摄影清晰的还原了“真实”，却失去了画的神韵和“灵光”。什么是“灵光”，本雅明解释道：时空的奇异纠缠：遥远之物的独一显现，虽远，犹如近在眼前。回顾摄影的历史，“灵光”确是曾经存在于摄影这一艺术形式中。早期的摄影，因技术原因虽显模糊不清却记录了被拍摄者短暂的幸福。昏暗中，气韵之环缭绕着已经过时的椭圆相框，美丽而适切。随着技术的不断推进，黑暗在镜头下已经被完全压制，清晰、真实的镜头下，“灵光”被完全去除。在资本主义工业的强烈推进下，摄影工业借助名片格式的肖像照大放异彩。也正是在资本的入侵下，批量化的摄影已经受技术先决条件限制，成为了增加资本的工具。
在资本主义工业的巨大冲击下，作为艺术的摄影并非消失了。为了追求光晕，不少人用上胶的技法造假，刻意让画面显得模糊，反而让人物显得僵硬、刻板。在本雅明看来，充满“灵光”的作品依旧存在。在超现实主义的摄影作品中，摄影师在潜在环境与人之间安置了健康的距离，再一次还原了气韵。
本雅明在重述摄影历史时，带着浓重的“法兰克福学派”式的批判。但与法兰克福学派对资本主义工业的一味批判不同，本雅明也看到了摄影工业的优势。在充分发挥平等意义上，作为展示时，摄影工业起到了巨大作用。
《摄影小史》读后感(五)：不完全摄影简史
摄影从最初在暗箱内的影像被固定下来进而问世以来，遭到传统艺术的抵抗是可以理解的，在十九世纪中期，虽说自然科学已经有了一定的发展，但人们对这一神奇的陌生之物第一反应必然不会是立马接受，传统艺术为什么会抵抗？我猜测或许是因为传统艺术至少都是经过几百年的发展才成为艺术，所以面对新生之物，抵抗自然不奇怪，再则，摄影的问世在初期对一些传统艺术家来说可能会觉得这会挑衅其艺术的地位。 传统艺术的抵抗终究敌不过工业时代的到来，工业时代使摄影的门槛降低，开始普及起来。从这点也可以看出，本雅明对工业时代是有着赞许的。虽说摄影的门槛降低，但为什么摄影变的如此受欢迎，本雅明在这本书中告诉了我们答案，即摄影可以拉进拍摄者与事物之间的关系，其复制品，无论多么的稀有，在拥有了这个复制品，会带来一种“拥有”事物的感觉。 但摄影所拍摄而成的照片与被拍摄事物存在一个在场与不在场的辩证关系，对那一刻来说，摄影与被拍摄事物都是在场的，但离开那一时刻，摄影也就具有了瞬时性。也因此，如果从瞬间与永恒来看，摄影也可以看做是现代性的产物。 摄影可以说是一种“复制”艺术，但它不仅仅是简单的复制，也可以说是在原有事物的基础上进行再创作，所以摄影对真实之物造成冲击也应辩证的看待。真实之物的价值在于其稀少以及其真实，对不同事物来说，摄影所进行的“复制”也会有所不同，举个例子，用摄影拍摄雕塑艺术品，很大程度上这件雕塑艺术品的价值并不会遭到贬损。 摄影门槛降低后，开始被应用于面相学（显微作用），被应用于肖像照，被应用于政治科学等领域。但慢慢的，摄影也开始从这些领域转化为具有某种创作性的内容中，即摄影开始从为政治，工具而艺术变为为价值而艺术。这里还需支出一点，当摄影从为政治，工具而艺术中摆脱出来，也出现了为艺术而艺术。何为为艺术而艺术？我的理解则是艺术品只具有审美价值，而不在附加其余价值。 那么如何看待传统艺术与摄影的关系呢？传统艺术（无论从古希腊，古罗马再到中世纪等时期的艺术）的灵光击中内心时，其本质上是这遥远之物的独一显现击中了内心，它所显现出的是一种神秘，一种浩渺，一种莫大的生命力，从而给人内心以力量。而这也正是其艺术的魅力。所以当摄影伴随着工业化的普及，如果仅仅只是作为一种复制技术来说，灵光在某种程度上确实消失了，但摄影既然被称为艺术，则表示摄影并不满足于复制，而是在复制的基础上，进行再创作，在瞬时性中重新显现出灵光。