《皮娜》是一部由维姆·文德斯执导，Regina Advento / 玛洛·艾劳多 / Ruth Amarante主演的一部纪录片 / 歌舞类型的电影，特精心从网络上整理的一些观众的观后感，希望对大家能有帮助。
《皮娜》观后感(一)：Tanzt, tanzt, sonst sind wir verloren.
我是这么认为的，作为纪录片，这部电影的主角就是舞蹈。导演在保障技术完美的同时，让pina的气韵弥漫大屏幕，桃花溪里逐流水，舟无桨而船自行，顺势而为罢了，反正我想不出更合适的拍法:-) 这么说来，片子不是不电影，而是很电影，是一部深情不滥情的电影。 Wim Wenders的纪录片，无论关乎歌者还是舞者，生者还是死者，总是不动声色，动情！
ina说，“Tanzt, tanzt, sonst sind wir verloren (跳吧，跳吧，不然我们必迷失)”。Pina的生平就是编舞，跳舞，跳舞，编舞。片子里通篇展示的正是Pina编过的或许也是跳过的舞蹈，还有众多长期或短期合作受她潜移默化的舞团舞者的独访。作为一部传记，这等不写而写和众星捧月的拍法，有涓涓细流汇聚大河的气势，非常高明。
如果没看错，影片拍在德国的初夏，舞者舞在明媚阳光里，在Wuppertal(乌帕塔尔)繁忙的交通路口，在喧闹的市井，头上是Schwebebahn（悬挂式有轨电车）的高架，不时有Schwebebahn呼啸而过，身后远远的麦当劳的大标识。托3D的福，一切一切都看的细致无比，一切一切都显得那么虚幻离奇超现实！Wuppertal正是我曾青春热血流臭汗的地方，跳上公交和有轨，看山看水看老外，只是当时已惘然。看到Cafe Mueller，我不争气的哭了。
Wuppertal，也是恩格斯的故乡。
《皮娜》观后感(二)：Dance, Dance...Otherwise We Are Lost
Whether you will enjoy “PINA” or not largely depends on your attitude toward modern dance. For dance aficionados (like me), “PINA” is a vivacious feast of inspirations; for the rest, it is an almost two-hour long chronicle of crazy people dancing their limbs and brains out.
There is another piece of information you should know: whichever group you belong to, your view might be turned upside down by Pina Bausch, the center of the film and late German choreographer who has defined the landscapes of modern dance in the past century, along with Merce (Cunningham), Martha (Graham), Alvin (Ailey) and a few others also identified on a first-name basis. It might be cliché to claim her life rather than career as her definitive art, yet the sorrow, loneliness, love and pain in her works exude such intimate beauty that one can hardly imagine anything less than full devotion of a vibrant soul. Therefore, the film’s focus on her dancers rather than herself seems particularly extraordinary. Her unfortunately early departure is part of the reason — she died of unspecified cancer five days after diagnosis and merely two days before the shooting of this film. Yet from another perspective, her dancers best embody Pina’s essence — through collective performance, personal solos, video footages and interviews (presented with shots of them speechless while their narrations play in the background) — Pina’s dancers provide lively testimony of her conviction, spirit and fragility as strength.
What is “PINA,” after all？ It is an Academy Award-nominated documentary (lost to “Undefeated” three days ago, a feature that zeroes in on the struggles of a high school football team in Memphis), 3-D theater, fiction, personal account and dance altogether. It is the multiplication of revamping, re-examining, restaging, reconstructing, reviewing, recognizing, reminiscing and pure rejoice. Edgy and radical with every breath of time, it is a celebration of the grace and ugliness of humanities. But Pina was not radical for radical sake. Ceaselessly challenging to physical limits and social norms as her works might have been, her efforts reach beyond forms and semantics to weave a web of emotions and ideas.
As one of the most prominent sociopolitical commentaries in her works, gender dynamics infuse and enervate almost all of Pina’s choreography, establishing men and women as (sometimes literally) combating oppositions. With femininity and masculinity in luscious contrast, her women are rarely without vibrant skirts, while her men don suits and workers’ uniforms, or bare their chests. Injected into her dancers are doses of sensuality, longing, flaming life and lavishness, exposed through constant struggles. Refer to her signature 1975-remake of “Rite of Spring:” two groups of men and women devour each other’s inhabitance with thrilling intensity in what could be read as passages of sexual dominance and fertility, tanned by rich soil under their feet.
Yet gender is not her only focus. Whether placing a ballet dancer in factory complex or the entire ensemble in Bauhaus auditorium, Pina fascinates us with her contextualized exploration of the relationship between human and industrial machinery. In the forms of concrete jungle, suspension bridge, glasshouse in the forest or desolate land near high-rising chimneys, artificially-constructed spaces serve as stimulating premises for dialogue and imagination. It is impossible to look at her works without the space in which they unfold. In one scene, the iconic suspension railway of Wuppertal, where Pina’s company (Tanztheater Wuppertal Pina Bausch) is located, creates a hypermodern, sleek yet cloister-like space for dancers to move within as the cityscapes flew by behind the windowpanes. As a result, the absurdist sounds and movements translate into bizarre stanzas of poetry, annotated by nature and faceless technology.
It would be a grave mistake, however, to view Pina as primarily a critic of contemporary society. In many ways, she is anything but. From elegy to ecstasy, Pina creates a lifetime repertoire by acknowledging and embracing, instead of critiquing. “She is a painter,” a dancer recounts. “PINA” faithfully captures the essence of this statement through exquisite cinematography, accenting her work with sweeping, swirling motions and close-ups, both of which were previously disabled in dance theater performances. We then see them all: the beige nebula of billowing dresses, the pulsing ligament, skin, veins and muscles, the shadows of ocean waves that float on torsos and branches, the earthly colors in claustrophobic halls and image after image of the symbolic and the sublime. “PINA” challenges Merce Cunningham’s words on dance as giving us “nothing but that single fleeting moment when you feel alive,” for it succeeds in capturing on film the vivid beauty that has set decades of imagination on fire.
Would Pina Bausch disagree with Cunningham then？ Probably not, for in that statement, he pins down the very core of Pina’s dance, even choreography and movement across time and place: the joy of being alive. I would hazard a guess that for those that contribute to the film and most importantly for Pina herself, few things parallel the moment our bodies break the rigid shackles, whether set by spoken or unspoken rules, for freedom and awareness. It is about unbridled passion, pounding presence and burning desire. It is about art; it is about love; it is our compass. Pina is all about that moment; so is “PINA.”
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The Amherst Student, Issue 141-17
《皮娜》观后感(三)：三人影院
我和Linda van Deursen和Ming Bai坐在一张三人沙发上看完的。记录下Linda的说的两点：
1。镜头里面多次出现的剧场的正面全景景象，并且可以看见剧场的前几排座位，或者是前几排观众。在3D的效果下制造出了惊人的沉浸效果，因为镜头的前排观众在3D眼镜里就变成了真实的前排观众。我们如同身处电影，或者遍布舞者的剧场之中。或者，如同电影中两位舞者透过一个小盒子观看穆勒咖啡馆。我们看的是一个小盒子里的电影。
2。电影中出现舞者谈论Pina的时侯，他们并没有说话。他们的声音是旁白，而他们只是在听他们自己声音，听他们自己对Pina说的话。他们的面部表情，五官微小的动作即是一种舞蹈。
《皮娜》观后感(四)：舞舞舞：肉身的轻盈，灵魂的舞蹈
纪录片创作者如王兵，可以对着一个老人拍上几小时，再有赫尔佐格，他会还原真实情境，亲自上阵。而在文德斯这边，如果对《皮娜》了解无多，光是那一系列舞蹈作品，电影确实会制造不小的理解障碍。诚实的说，在观看《皮娜》之前，我对现代舞蹈了解无多。相反，我对文德斯及其作品的了解要远多于皮娜。这就制造了一种无奈，观影时不可避免地出现了矛盾分裂。到底是应该关注电影技巧，还是感受舞蹈本身？看完《皮娜》至今，这个问题始终困扰了我。
之所以选择3D方式去呈现，文德斯的用意很简单，那就是制造接近身临其境的现场感，里头可以包括剧场、露天舞台以及天然外景。如果只是针对第一项，那很多人会特别困惑。既然只是要制造一个银幕上的“剧场”，那么，文德斯为何不直接号召大家去剧院，去支持皮娜的剧团。好在，《皮娜》里出现了更为复杂的环境场地，这是再精致的舞台设计也无法做到的，3D也算得偿所愿。
皮娜的爱情与伤痛
除了朋友同事的访谈，电影主要由皮娜的舞蹈创作组成。按照年份顺序，《皮娜》挑选了开场的《春之祭》，一片泥土，一块红布，上面是一群袒露的舞者，他们表达着自己的欢喜、惊恐和脆弱；中间的《穆勒咖啡馆》，阿莫多瓦的《对她说》已经有过展示，椅子、转门、嗜睡的女儿、瘦骨嶙峋的皮娜；结尾的《月圆》，独舞、巨大的岩石、大雨从天而降，感情澎湃。片中，这三部作品得到了充分展示，另外还有穿插《交际场》、《呼吸》等众多作品片段，几乎可以说令人眼花缭乱。
很难去描述这些作品的情感内核，因为即便有一大段文字介绍，你也需要通过现场观看，让自己和演员、作品达成沟通，进行情感的互动。况且，由于现代舞蹈的特性，皮娜的舞蹈剧场显然不会去表现一个家喻户晓的童话故事。他们的主人公是抽象的男人和女人，是广义的人类群体。在我看来，多数皮娜的舞蹈都包含了Love and Bruises，爱与伤，由男女爱情所引发的痛苦。那可以是忧伤，是不眠，是绝望的抽搐，比如《穆勒咖啡馆》。然后还有暴力、欢喜以及幽默，由于现代舞蹈追求灵与肉的结合，即舞者最好能完全忠于自己的感受，表现灵魂里的东西。所以，当肢体动作变得激烈，皮娜又加入了重复，相同的人物、重复的行为，进而制造出震撼的效果，引导或者强迫舞者和观众一同思考。
《春之祭》的不安，《穆勒咖啡馆》的伤感，《交际场》的纷乱和怪现状，再到压轴狂欢的《月圆》，电影截取了舞蹈的精华部分，在短时间内，追求最大化的冲击。如果对皮娜有所了解，那么它会是一场盛宴。如果一无所知，那也没关系，正如人与人之间的邂逅，其实都是偶然与巧合。你可以去试着理解皮娜，感受舞蹈。皮娜相信舞蹈的力量是来自灵魂，而不是要多高超的技艺。剧团里固然有俊男美女，但更多的是接近于普通人，并没有定下一个万中选一的高标准。借助新老两版本的《交际场》，我们能更好地理解皮娜眼中的舞蹈。她推出一个老人版，舞者的年纪都在五六十岁，然后是一个青春版，舞者的年龄大约在十四五岁。皮娜对他们没什么特别要求，只需要一定的舞蹈基础，然后就可以登台表演了。这的确制造了一种感觉，人人都可以跳舞，可以表演上佳的舞蹈作品。
皮娜的舞蹈观念还表现在舞台布景上，她很少会中规中矩，舞台总是破碎的，被某种加入的东西所打破。像《春之祭》的泥土、《穆勒咖啡馆》里的凌乱桌椅、《月圆》里的水和岩石。这些外部因素会让观众感到新奇，进而产生诡异的体验，他们好像进入了另外一个真实时空。
除了巡回演出，皮娜暴露在公众视线面前的机会并不多。这也是很多人的疑问，为何在《皮娜》里，反而不大看得着皮娜。一方面这与她个人习好有关，很多人都不清楚她的私人生活，就好像，她的生活就应该全部是舞蹈一样。舞蹈是她最好的爱人，其他都退居其次。另一方面，从不被接受到拥有一块阵地，现代舞蹈经历了一条坎坷之路，皮娜也曾遭遇过咒骂和口水。过往经历也让皮娜更潜心于创作，去追去完美和自我超越。
文德斯的如影随形
影片一上来就单刀直入，没有追忆生平，更没有刻意去交代创作动机。皮娜出现在了巨大海报上，她好像消失不见了。于是，文德斯开始寻找皮娜，就像《寻找小津》。如果一一去阐释皮娜作品的主题动机，那么文德斯估计要拍上十几个小时。而关于皮娜舞蹈作品的纯粹纪录，先前也早已有过。文德斯做的就是一次集中展示，面向了解和不了解皮娜的观众，展示她的舞蹈魅力。只不过，他把对象框在了与皮娜有紧密联系的人身上。
在《寻找小津》时代，除了受访人，文德斯还描绘了一幅有趣的东京画。影片保持了他在路上旅行的体验，充满了东方风情。而在《皮娜》，这一部分生活内容被抽去，公路旅行被引为舞蹈灵魂的游荡，就像一言难尽的现代舞蹈。可能考虑观众对剧场的束缚有所顾忌，皮娜的舞者还出现在了城市街景当中，此外还有树林、草地和高山。他们穿越了山山水水，略显抽象。
时间永远是一个微妙的东西，就像它带走了皮娜。当许多人感动于街头舞者的旁若无物，面对时间的流逝，其实在《爱丽丝城市漫游记》时代，伍珀塔尔标志的悬空列车就已经出现在文德斯的镜头里。闪光灯亮起的刹那，文德斯也暴露了他的摄影爱好。每一张照片的背后，它到底有着什么故事——就像在皮娜的黑白照片和简单影像背后，她到底去了哪里。
在《皮娜》里，里头并没有普通人去追忆皮娜。来自剧团的叙述者性别不同，肤色、语言也不同。他们安静地坐着，让文德斯摆拍，特写镜头捕捉到了他们的表情变化，然后画外音响起。文德斯选择这样的表达方式，意思很明白。舞蹈无国界，舞者也不需要言语。这些人无惧大特写，没有对话旁白，他们只需要肢体说话，用肢体的能量来证明舞蹈的价值意义。舞蹈可以存在于灵魂之间，作为连通生者与逝者的精神纽带。至于信念和能量源自何处，那显然只能是皮娜，她就在他们彼此之间。追忆起与皮娜在一起的时光，皮娜好像就在他们身边。
与受访人的简单言语相比，他们的作品更具说服力。在电影里，文德斯选择用皮娜的舞蹈作品去表现皮娜本人，而不是死板的自传谱写。这一次，舞者是对着摄像机表演，或者也可以说，摄像机解放了舞者。毕竟与人眼相比，摄像机有着更为惊人的表现力，比如看得更远，可以定格，可以倒放。在《皮娜》里，很多时候，摄像机就跟着舞者，流畅地移动着。也有演员冲着镜头跑来，这就是一览无遗的展示。我们可以把文德斯的镜头理念理解为影子，依附在了演员的形体身上。
3D技术的余虑
如果把3D想象为崭新的技术，那其实是大错特错。3D技术早在几十年前就问世了，有些劣质的恐怖片最喜欢玩这一套。玩的还就是一个分层，人物在前面，背景在后面。如果文德斯只打算进行现代舞蹈的扫盲，那么2D的《皮娜》一样可以做到，就像在电脑上看预告片那样。有些人就更加直接，《皮娜》的所有精华就在预告片里头，而在电影里，它被分割为碎片，有意去制造所谓的张力和表现力。
《皮娜》用3D拍摄再造了舞台，舞台有如构建在观众眼前。要知道在剧场里，演员的肢体表现是重心，而在电影里，表情也可以捕捉得到。这在剧场里用肉眼就做不到，除非是多媒体互动呈现。跟话剧、舞台剧等形式一样，舞蹈也是面对观众的舞台艺术，它只敞开一面。然而《皮娜》打破了这个概念，摄像机也可以跑到舞台上面去，贴到演员身边，灵活自如。
在打破空间概念上，3D技术的作用发挥得淋漓尽致。舞台之外有露天的人造舞台，另外还有自然舞台，没有任何的摆设。尽管在舞台搭设、道具使用以及舞蹈编排上，文德斯的作用为零。他只需要对素材进行删减，然后寻找到了自己最擅长的发挥空间，那里有城市的街头一角，还有不时出现的列车。当三部分内容交互呈现，观众可以进一步感受到3D镜头下的舞蹈魅力。
但无论3D技术再怎么逼真，摘去眼镜，观众看到的还是叠影。如果要选择最适合的方式去感受皮娜的舞蹈，那观众为何不回到剧场里头。进电影院去感受舞蹈的魅力，这听起来始终是个荒谬的推论，与打开电视看电影等行为无异。换句话说，《皮娜》所有的优点都是来自现代舞蹈，文德斯的作用不大。在镜头后面，文德斯选择了隐藏自己，让皮娜的作品去说明皮娜。看它是什么，她就是什么。
如此看来，《皮娜》就好像不再是纯粹的电影，我坚信电影可以接着拍上几小时，也可以分成短片，放在艺术场馆里循环放映。可能皮娜走得有些意外，对文德斯的创作造成了不小影响。如果皮娜还在，可以想见电影会呈现另一种形式。我们没有看到文德斯对《皮娜》发表什么看法，至少不如他对小津的好奇和思索。造成这种局面可能有一点原因，电影开拍没多久，皮娜就去世了。这部电影的初衷发生了改变，变成了众人悼念追忆的形式，而不是一名优秀的作者，他经过时间沉淀，寻找到了最合适的方式去表现纪录。
好在对我来说，《皮娜》可以是失重，可以是狂欢，可以是演员透过身体传达出来的喜悦和忧伤，也可以是力量乃至是形体美本身。至于拥有优雅气质的皮娜本人，电影好像有意去回避，所以，看得见她或者看不见她，她的舞蹈又是什么，这其实并不重要。重要的是，你有没有感受到不一样的舞蹈力量，感受到皮娜的舞蹈灵魂。【城市画报 283期 http://www.douban.com/group/topic/20966511/】
《皮娜》观后感(五)：上海国际电影节3D《皮娜》简短观后感
1.失望大于惊喜，没想象中那么震撼，可能对于现代舞这种表现形式我不够了解的原因吧。不过有几个镜头很有感觉，比如皮娜最后的独舞，还有穿着白衣和黑衣的一男一女在街边跳舞那一幕。其余大多时候的舞蹈对我来说太过晦涩了些。
2.最大的惊喜是3D效果，这片可以说算是我看过的第一部真正意义上的真·3D电影，以前看过的那些3D片子，比如阿凡达，我从来不觉得看2D和看3D有什么差别，但这部片子第一次让我有“啊，原来3D效果可以给一部片子带来这么特别的观感”这种想法。看2D和3D的《皮娜》将会是两种完全不同的体验。片子的每一个镜头都有非常强烈的3D效果，而且可以看出导演在很多地方试图通过3D效果的安排来打破观众和屏幕的隔阂（比如好几个镜头拉远后出现一个舞台，效果很赞）。这部片子3D效果之所以这么优秀，我想很大一部分原因在于剧场舞蹈这个题材吧，3D非常好的表现了舞台的纵深感，前后景深分明，很多镜头给我感觉就是看一群小人在一个盒子里跳舞，非常奇妙。总而言之3D效果给这部片子加了很多分。但对于未来大多数的商业片是否有必要以及可能达到皮娜3D这种效果，我持怀疑态度。
3.配乐很赞，推荐原声（simplecd有下）
4.观众素质还是很高的，从影片放完到字幕放完，一共鼓了三次掌。
3.5星
《皮娜》观后感(六)：Tanzt, tanzt, sonst sind wir verloren.
（去年电影节后写的，copy来这儿吧。）
怎么说呢，其实一直都不敢写影评，写过一点点观后感，是为了怕忘记。而《Pina》，它令我如此感动，以至更倾向于不要去谈论它。所有的言语都会带来破碎。如果可以的话，应该用目光，用神态，用动作，用旋律，用一小段舞蹈来描绘，如同马可波罗与忽必烈汗的无声对谈，如同片中各位舞者为pina所做的那样。
但是今天看到一篇评论，看完居然有点生气，呵呵。什么嘛～神马叫做千姿百态的跌倒多美？神马叫做中产阶级自怜综合症？神马叫做扼杀想像力的3D？让人几乎要怀疑该作者是唱着红歌长大的，只有革命没有情绪。居然还提到卡洛斯绍拉的《弗拉门戈，弗拉门戈》呢，那是一回事儿么？
绍拉通过影像的手段，表现弗拉门戈的动人之处，而文德斯通过影像和舞蹈，表现pina。pina生前一度排斥将作品影像化，应该就是明白影像作为一种再现手段对舞蹈这一表达方式的损伤。尤其对于剧场化的pina式舞剧来说，影像再现只能损伤其本质。《直到世界尽头》中文德斯曾提出了影像对文字力量的损伤，他一定也是明白这一点，所以选用了3D的方式，将舞台的景深效果尽可能再现出来。这部电影中文德斯将自己本身的位置放得很低微，使影像让位于舞蹈，其场面调度，声光环境，镜头处理都为舞蹈而铺陈，更多是通过pina编导的舞蹈本身来述说，以其自身力量发声。
除却舞蹈本身的表现力之外，影片的动人之处还来自于它的结构。从最早与pina一起合作的朋友，到初期排演的舞者，到继任者，到新招募的年轻演员们，他们依序在pina编导的舞剧中出现——切换到个人表情特写——追忆某一处感受最深的pina的印迹——然后是一段献予pina的舞蹈。他们各自表达了pina希望他们留存的东西——每个人身上的独特之处，pina通过舞蹈给予他们自由，令他们找到自己，接纳自己，并在舞台中展现自己。在此意义上，pina更像是一位精神导师而不仅仅是一位舞蹈编导。这也正是pina的伟大之处，发现并尊重每个个体独特的美，知晓其中的脆弱，直面它而不是畏惧它，将其幻化成撼动人心的力量。
舞者的出场顺序有隐藏的时间线。在《交际场》老年与青年两种不同版本的切换中，完成了更新换代的过程。一个舞团，从开创，到吸引到志同道合的同仁们，到招募入才华横溢的演员，到培养下一代续任者，到新鲜血液加入，到舞团的孩子诞生、长大、又融入到舞团中，pina此刻又成为一个机构的组织者和凝聚力，带领着这些舞者共同挥洒在舞台上，随时间维度前行，从而使灯光下虚幻抽象的世界完整。
影片以《春之祭》开场，贯穿pina的各部创作，步向尾声《圆月》。圆月带来潮汐，充满丰沛的自然界力量，生机勃勃，年轻，强壮，拥有梦想。从春之祭的敬畏，穆勒咖啡馆的逃避，交际场的嘲讽，进入到对生命欢愉的歌颂。月光下万物峥嵘，人生华美，肆意快乐，但这并不代表着没有伤痛，我们仍有负累，仍会挣扎。
末尾是pina的黑白影像，她说：“跳舞，跳舞，不然我们就会迷失。”
《皮娜》观后感(七)：《穆勒咖啡馆》
【转】
《麦克白》在波鸿的首演刚刚过去一个月，由四个部分组成的舞剧《穆勒咖啡馆》就被首次搬上了乌珀塔尔舞剧团的舞台，这是继1974/75年的《大都市》之后，皮娜•鲍什第一次亲自参与了舞蹈的编排工作。
除了皮娜•鲍什之外，格哈德•博纳，Gigi-Gheorghe Caciuleanu和汉斯•泡普（乌珀塔尔舞剧团的成员）也都参与了舞蹈的创作。舞剧的四个部分各自独立、互不依赖，但并不是每个部分都有一个单独的标题，而是全部统一在一个大的标题《穆勒咖啡馆》之下。四幕舞剧的最初创作主要是在皮娜•鲍什的努力下完成的，并且与《春之祭》 进行了结合。
标题的平淡，以及选择这样一个通俗名称作为舞剧的标题，都是这部作品总纲领的组成部分，正是这个总的纲领把舞剧的四个部分统一了起来。编舞者们首先设定了一个共同的外部框架，并且构筑了几条将各个部分的内容结构衔接起来的线索：一家咖啡厅，黑暗，四个人，有人在等待，一个人倒下了，又被扶了起来，一个红发姑娘走了进来，一切都安静了下来。
皮娜•鲍什的这段四十五分钟的作品开场便个性鲜明。就像要对她的整个编舞历程进行一番综述一样，这部作品既包含了格卢克歌剧这种早期的舞蹈形式，又有着新的运动戏剧艺术的元素，后者是她在与布莱希特、威尔合作的《七宗罪》之后一直推行的。与之前作品相一致的是，皮娜•鲍什在这部作品中又是自己勒担任舞者，这是她在1973/74年的《尤娜》和《勃艮第公主》之后又一次自己担任舞者。
而与之前的四部舞剧不同的是，这部作品中的音乐是正常演奏的，没有被陌生化或者是制造蒙太奇效果。音乐采用的是亨利•普塞尔作曲的来自于《精灵女王》和《胡闹和勇士》中的女声咏叹调，这是一组悲歌，主要是围绕相爱的煎熬、分离的痛苦、悲伤和绝望等主题，因此音乐与舞剧孤独、陌生和寻求伙伴帮助的内容紧密相关。
舞台展示的是一个单调、灰暗、肮脏的房间，里面放满了圆形的咖啡桌和椅子，背景是一扇玻璃旋转门。两个穿着薄如蝉翼的白色裙子的女舞者和三个穿黑色日常便服的男人在桌椅之间移动，这些桌椅塞满了整个舞台，阻碍了这些人的大幅度运动或者是排成队列。因此表演者们一开始就只能慢慢旋转和做一些小幅度的移动。
就像Eugene Ionescos的剧本中刻画的一样，这些椅子是不在场的人的象征和人的代替物，它意味着空荡，意味着人与人之间交流的不可能。它们只能阻碍舞蹈，阻碍自由的运动。但是舞者们刚刚进入这个房间就有一个演员跳了出来，慌乱地把桌椅推到两边，为舞者们创造出空间以防他们受伤（在首演时这一角色是由皮娜•鲍什的舞台布景师和生活伴侣罗尔夫•波尔茨克饰演的）。舞台上的紧张气氛持续了很长一段时间。观众们不知道，什么时候有个演员跑到中间去了；观众不知道，他是否能及时地把桌椅清理到一边，以免闭着眼睛的、迷失了自我的舞者撞到上面而摔倒。就好像在这个特别的咖啡馆中整个世界都陷入了昏昏沉沉的睡梦中，只有一个人是清醒的，只有他保护着被施了魔法的和被迷惑了的人们不受到伤害。在持续的张力中他一直观察着人们的行为—没有人意识到这一点。
两个女舞者，一个在前，另一个几乎消失在了舞台深处的灰白之中，闭着眼睛移动着，像梦游一样，完全沉浸在了她们情感的内心世界里，没有与外界产生一点联系。她们有时同时运动，有时先后运动。她们用手掠过自己的身体，撞击墙壁，然后疲惫地滑到地上，在墙脚边寻找保护和支持。其中的一个女人几乎没有从舞台后面往前踏出半步，总是自我保护地退缩到阴影中，而另一个则经常踏上那个男人为她开辟出来的道路，来到这个房间。精神恍惚地舞蹈着，她与另外的男人中的一个发生了接触：这对恋人紧紧抓住彼此，寻求依靠和支持，但是另一个穿黑衣服的男人却冲破了他们的拥抱，强行把他们分开了。重新开始寻找依靠。把这对恋人分开的那个男人又把他们重新组合在了一起。他把这个女人放到了男人弯曲的手臂中，男人沉默地站着，女人无力地从他怀中滑落。她一次次地跌到，一次次地爬起，紧紧抓住，再次跌到。最终这个男人不经意地从她身边走过了。第二个男人多次想把这对人再结合在一起，让他们彼此拥抱，让他搀扶着她，但这一切都是徒劳。
这时突然闯进了一个红发女人，踏着高跟鞋急急忙忙地穿过旋转门，穿着大衣紧张、恐惧地穿梭在椅子之间并茫然地注视着眼前发生的一切。她试图与人接触，接近他人，但是这个封闭的社会太过于忙自己的事情了。清醒过来之后她把大衣和假发给了舞台后面的那个女人，这个女人把假发戴上继续无动于衷地进行她的舞蹈。其他人离开了舞台。
恋人之间的陌生和无力取得理解、恼怒地寻求亲近和安全感是这部舞剧的基本主题，这也是皮娜•鲍什在此前的作品中反复探讨的问题。但是因为普塞尔沉重的咏叹调，《穆勒咖啡馆》笼罩着一层特有的、像梦一般沉重的忧伤。在这里两个世界发生了碰撞：一个好像被一种邪恶的魔力所迷惑（两个女舞者，那对失去联系的恋人），另一个则是“正常的世界”。红发女子的形象代表了这个世界，她迷失在了这个被人遗弃的咖啡馆里，难以理解眼前自我沉思的宗教仪式。她是唯一看得到“舞台布景师”的人，走着他清理出来的道路，同时也在错综复杂的椅子中寻找自己的道路。在其他人都在忙于自己的事情时，她要求、渴望某些东西。与其他两位女舞者不同的是，她的活动语言是来自于日常生活的，她的装扮是富有挑衅性的。
对她的速度的刻画也是特别突出。“舞台布景师”手忙脚乱地把桌椅推到一边，女舞者是慢动作般地沉浸在自己的梦境中，而她则是动作迅速，但又不过于快速。不同的时间层面总是在不停地转换，互相重叠，相互交汇。
同时在内容上《穆勒咖啡馆》也连接了不同的线索，它在讲述孤独和拘束，同时还包含了对另一种舞蹈，另一种戏剧的探寻，这种戏剧不再是致力于描绘美丽的表象，而是要深入到感情的深处。“舞台布景师”确实为演员们开辟出了表演的空间—不再是在幕后，而是在公开的舞台上。他不再是通过舞台布景来为演出服务，而是为它开辟出一条道路。这或许就是孤独的舞者在梦游般的舞动中所梦想的吧
《皮娜》观后感(八)：用力爱恨，撼动生命
不得不承认，一直自诩文艺女青的我，其实充其量不过是个伪文艺。因而每次电影节，文青们大多心潮难平，一个劲往影城扎堆。我却意兴阑珊，全然提不起精神。一来相对于影视，更喜文字，总觉得细腻到极致的情怀，影像很难表述。即便导演再牛，演技再好，也难以似文字般将其中的意境完美传递；二则知识匮乏，对电影的系统性理解不深，抛开画面风格、镜头语言、景别景次之类的细质化赏析不谈，就连大众普及化的导演名号及代表作都混淆不清，弄不明白。
可凑巧的是，每次电影节我似乎从不缺席，总有朋友盛意拳拳，邀我同行。于是，在这个大雨如注的周末下午，我和闺蜜顶着狂风暴雨，再次来到影城，观看了此次影展呼声很高，一票难求的歌舞片《Pina》(皮娜)。
许是3D的缘故，影片从第一个镜头开始，便让人为眼前的真实所震撼。这其中，有艺术的真实，空间的真实，情感的真实，当然还有灵魂的真实。从舞台到现实，从记录到追忆，从束缚到放飞，从痛苦到升华。所有的镜头，或讲述或舞蹈或音画，不论哪一个角度，都试图从客观的例证去还原pina的生命，以及早已融入其艺术骨髓的爱和坚强。
难以忘记开场的《春之祭》中，女舞者一个个手捧象征祭祀的红衣走上神坛，等待命运宣判时的凄楚眼神。惶恐、无依，仿若任人宰割的羔羊，在强势的男权社会，毫无抵抗，没有半点还手之力。虽然，从舞者的衣饰及舞台的布景看，故事发生的时代已经离我们非常遥远，但只要稍加留意，你便会从中体会到pina想要表达的隐喻和深意。是的，无论年代的齿轮如何转动，女性亘古不变的弱势地位时常将女性推向献祭的深渊，而对于女性的种种受难，冷酷的现实社会却始终熟视无睹，甚至认为是理所当然。
接下来的《穆勒咖啡馆》，显然更易引起全体观众的共鸣。因为在该剧中，pina已经将自我完全抽离。留下来的，只是舞蹈本身。这样的舞剧，很容易让观众带着自已的生命体验，投射剧中，独立思考，感受意境，解读自我。不论你的灵魂是孤独还是疏离，也不论你的爱情是愁苦还是甜蜜，你都能从舞者的动作本身，找到灵魂的出口，发现生命的渴望。不过，作为一个喜爱生命热情而富有张力的积极入世者，我还是稍稍对这个剧作中通篇的灰色有些感冒，不喜欢其中太过阴郁的悲观色彩。
最后谈谈压轴的《满月》，相信很多看过该片的朋友都会被这部由月光、巨石和水所幻造出来的美学意境所深深打动。还记得那个从深蓝色水底走出的男人吗？当他步履从容地顶着若干树枝平衡行走于狭长的水道间时，天地万物已然远去，剩下的就只有坚定而自由的灵魂本身。这种超然的意向感观，教人不得不从骨子里崇敬起pina这位现代舞女神，是她带给了我们最完整的美学体验。
絮絮叨叨，说到现在，似乎才刚回味了影片的一小部分。那么，让我们用快进的手法，再度回想一遍那一段段撼动心灵的舞蹈片断吧。
【力量】女舞者自信满满，做出各种彰显力量的姿势。正当你不敢相信如此纤弱的女子因何能极端展现出muscle的形态时，男舞台从其背后转身而出，引领女子舞出了一曲刚柔并济的生命之舞……
【抚摸】女舞者伫立正中，被一群西装革履的男舞者肆意玩弄和抚摸，而女舞者面如死灰，全无半点表情……
【束缚】压抑的空间中，女舞者拼命想要挣脱缚在身上的绳索，一遍又一遍划着寻求自由的圆弧……
【过客】城市的角落中，一名青年女子席地而坐，发丝飘扬。这时，一名风度翩翩的男子款款走来，挽着年轻女人，随着收音机里传出的音乐不停旋转。一曲终了，男人抽身而去，女人又一次回到原点，归于沉寂……
【依靠】空旷的屋顶，女子步履艰难，浑身乏力。幸好男子始终在她身旁，不离不弃……
在这里，我不想就上述这些舞蹈所蕴含的意义作过多主观的评价和阐释，相信看过的朋友都会有自己的理解和感悟。毕竟让观众从充满力量与激情，情绪与主题的舞蹈中自行思考，甚至成为舞剧的一部分，才是pina最想到达的艺术境界吧。
我只想说，如果没有意外，生命的时长大致相同。如果没有灵魂，生命的状态也将千篇一律，颜色全无。很多时候，我们困惑，无法探究生命的意义，无法确认生命的形态。或者拼尽全力，争名夺利；或者慎言慎行，敏感多疑；或者没心没肺，神神叨叨；或者神思恍惚，迟钝麻木……
那么，究竟怎样的生命状态才是我们最想要的？是轰轰烈烈、鲜亮光彩，还是循规蹈矩，甘于平淡？或许，看了皮娜以后，想必你会有所顿悟。
：除了舞蹈本身，音乐的契合算是pina的又一亮点，超级期待该片的原声音带！
《皮娜》观后感(九)：“跳吧，跳吧，否则我们便会迷失，跳吧，跳吧……”
我怀着对PinaBausch的敬佩，去看《皮娜》，当我看到的时候，不仅为自己羞愧，而且对已经做过、潜意识、无意识造成的事情迷失、彷徨而感到荒谬，当朋友告诉我真实的自己，我却潜意识拒绝，现在我明白了，我不是输给自己的心，而是空虚、拒绝一切自己真实的东西而封闭自己的心，开始重视自己内心的精神层面，我感谢他们让我看到事情的本质，不，精神本质；我是舞盲，但不妨碍对PinaBausch的现代舞探究与思索！
《皮娜》分为五个舞蹈桥段：《春之祭》、《穆勒咖啡馆》、《满月》、《交际场》、《月圆》。
在之前看到了皮娜的舞作中表现出春夏秋冬的手势，《春之祭》让我看到了女舞者们一个个手捧着象征祭祀的红衣走上神坛，等待着命运判刑时惶恐、无助、仿佛任人宰割的羔羊，无法抵抗，没有还手之力，无论哪个年代女性地位始终弱势、受难，却被认为这是理所当然。
《穆勒咖啡馆》容易引起共鸣，独立思考，慢慢解读自我，不论你的灵魂是孤独还是疏离，是干净还是肮脏，不论你的爱情是千疮百孔还是甜蜜，都能从舞者找到灵魂的出口、发现生命的渴望，明白生命的意义。
《满月》由月光、巨石和水幻造出来的美学，从深蓝色水底走出的男人从容地顶着若干树枝平衡行走于水道间，忽然发现一切东西没有意义，只有坚定而自由的灵魂在行走，这是最完美的美学体验。
老版《交际场》女舞者闭着双眼被穿着西装的男舞者们肆虐玩弄和抚摸而面如死灰，只有悲哀、压抑。《青春交际场》由一群正在青春期的男女舞者演绎人与人之间的接近、相遇、对爱的寻找，以及伴随这一切的恐惧、欲望、怀疑——人类的种种复杂情感。
《月圆》里的水和岩石，女舞者狂热而饱满的感情。
还有【力量】、【抚摸】、【束缚】、【过客】、【依靠】这五个舞蹈片段被演绎得淋漓尽致。
文德斯，我想说谢谢你让我看到皮娜的世界、皮娜的灵魂，因为你挑选的是生命、爱、自由、挣扎、渴望、欢愉、绝望、重生、美和力量等。
“跳吧，跳吧，否则我们便会迷失，跳吧，跳吧……”
《皮娜》观后感(十)：经历一场情感桑拿--观电影“皮娜”有感
看这部电影，不是因为我知道现代舞大师皮娜，或者喜欢现代舞，而是一直喜欢导演文德斯的电影，我对于舞蹈知之甚少，平时也就看点好莱坞的歌舞片，也曾经和太大爷附庸风雅的跑去北京的国家大剧院看过芭蕾，结果却在昂贵的第二排座位上成功的打起了呼噜，然后尴尬的在周围人的鄙视下抵抗着浓浓睡意，好不容易抗倒了终场。没有想到在今天这个失眠的晚上的“皮娜”这部纪录片却让我感受到了现代舞的魅力。
文德斯的这部纪录片刚要开拍前几天，皮娜鲍什却因癌症去世了，这纪录片就成了对皮娜的“追忆片”。有很多她舞蹈团员对她的回忆，皮娜在片中出现的镜头并不多，但你依然可以发现，虽然她年纪很大了，却依然可说是个气质出众的美女。特别是她双漂亮，多情，敏感的大眼睛，充满了洞察力，她能看出一个舞者灵魂里独特的地方，并帮助他通过舞蹈表现出来，她的舞蹈团里高矮胖瘦，年轻，年迈的都有。也许他们没有漂亮的肢体，但却有着不同的经历和特质，而这些都很好的融入了他们的舞蹈表达中，显的那么自然。在舞台上他们是独立的人。“所有的训练无法抹杀‘人’的味道。”就象台湾的现代舞蹈家林怀民书里说的一样。
片中有着很多皮娜的经典舞蹈片段，刚开始看时，作为理科生的我总试图去收集舞者肢体所表达的内容和场景上的各种细节，然后总想理性的去思考和解构所看的舞蹈。但是却感到各种理解都是那么的片面，无力和牵强。后来看到片中皮娜说：“春天意味着什么？这给人带来什么感觉？你们想到春天就想到了什么？……华尔兹意味着什么？这个词激发了什么？”。她一直在讲的是感受，是feeling。我突然意识到我用理性的分析和解构来了解她的舞蹈是多么愚蠢的事情。我们要做的不过是去感受（feeling）那些舞者通过空间，肢体，动作，表情来表达的那些复杂而饱满的情绪！而你去体会感受舞者传递出来的情绪，是感受和理解她的舞蹈的关键。
当你打开心灵，只去感受，去捕捉舞者表达的情绪时，你一下就融入了她的舞蹈之中，整个舞蹈在你面前豁然贯通，你感受到舞者的欢愉，惊喜，痛苦，悲伤，彷徨，迷茫，麻木，孤独，挣扎，不屈，坚持，和很多文字无法表达，理智无法领会，但心灵却能清晰的接收到的东西。你已收到舞者传递的内容，你流泪却不知道为何流泪，你微笑却不知为何微笑。你知道皮娜的舞者已经通过舞蹈和我们的心灵做了交流。一段舞蹈后，舞者带领着你经历着各种情绪的冲击，孤独，痛苦，悲伤，欢愉纷至沓来，如同饮一杯好年份的红酒，各种味道在舌间萦绕，如同闻一瓶名贵的香水，前调，中调，后调各种芬芳让你陶醉。不知不觉中，你好象被舞者带领经历一场情绪上的桑拿。结束时，感到精神上精疲力竭，却又酣畅淋漓。而这样的精神体验，在我们平淡如水的生活里已是非常的难得。
皮娜的舞者都非常有自己的特色，来自世界各地，据说年纪几乎都在30岁以上，他们身形不一，各有特质。这就是皮娜的态度，她要挖掘和展现作为个人的舞者的不同特质。比起漂亮的肢体，皮娜更看重舞者背后的个人经历。一段大场面的群舞，你可以去感受整体带给你的感觉，也可以紧盯一个，或几个舞者，感受他们的故事。就象一个个小故事构成的大故事，一个个小人物构成的大的世界。哪怕一样的动作，但每个舞者给你的感受都不一样，他们不再是舞台上的符号，而是可以和你心灵沟通的不同的人。每个都不同！只这点，皮娜的很多舞蹈就值得你一看再看，同一场“穆勒咖啡馆”你眼中不同的焦点，就是不同的故事。我倒是希望有机会能去影院看场3D的，不知国内什么时候会引进啊。
最后还是要感谢“文德斯”拍了这么好的电影，感谢皮娜创作了那么多好的舞蹈，不过建议看的同学找个安静的时间和情绪去观看。这样才容易有好的体会，如果我是在一个心情烦躁，时间匆忙的下午看的，说不定认为现代舞就是一群疯子在发疯呢！
.电影的原声音乐非常棒，喜欢的朋友，可以去找来听听。